Pour célébrer la sortie du Spark Rocket, nous avions envie de publier quelques articles sur le thème de l'espace, et celui-ci en fait partie. Le voici donc : les dix meilleurs albums spatiaux jamais réalisés, du jazz cosmique aux vraies données renvoyées par des télescopes et transformées en musique. Certains visent les étoiles comme métaphore, d'autres ont bien failli être enregistrés parmi elles. Décollage imminent :
1. Guillaume Perret — 16 Sunrises (16 Levers de Soleil) : Guillaume Perret a composé cet album comme bande originale d'un documentaire suivant l'astronaute Thomas Pesquet pendant ses six mois à bord de la Station spatiale internationale. Le titre fait référence aux seize levers de soleil que l'on peut observer chaque jour lorsqu'on tourne autour de la Terre toutes les quatre-vingt-dix minutes. Le jazz électrique et nerveux de Perret accompagne de véritables enregistrements réalisés dans la station, ainsi que les basses fréquences émises par des planètes. Le moment central, lui, est joué par Pesquet lui-même, saxophone en main et pieds flottant au-dessus du sol, dans la coupole vitrée de la station.
2. Sun Ra — We Travel the Space Ways : Enregistré à Chicago au fil de séances réalisées approximativement entre 1956 et 1960, puis publié sur le propre label de Sun Ra, El Saturn (sous la référence LP 409), We Travel the Space Ways est un album fondateur de jazz avant-garde / post-bop signé par le philosophe cosmique et chef d'orchestre Sun Ra (né Herman Poole Blount, 1914–1993) et son Myth Science Arkestra. Sun Ra a construit toute une mythologie afrofuturiste autour de l'idée que Saturne était sa planète d'origine, utilisant l'espace comme métaphore de la libération noire et de la transcendance spirituelle. Les « chants spatiaux » de l'album, dont « Interplanetary Music » et le morceau-titre, incarnent cette philosophie cosmique. L'année de sortie est indiquée comme 1966 ou 1967 selon les discographies, et le disque est une compilation de plusieurs séances plutôt qu'un enregistrement unique et entièrement unifié.
3. David Bowie — The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars : Sorti le 16 juin 1972 chez RCA Records, il s'agit du cinquième album studio de Bowie et d'un disque majeur du glam rock, généralement décrit comme un album-concept libre / opéra rock. Il suit Ziggy Stardust, l'alter ego de Bowie, une rock star fictive androgyne et bisexuelle qui agit comme messager terrestre annonçant l'arrivée d'extraterrestres, les « Starmen », avant une apocalypse imminente. Le lien avec l'espace est à la fois lyrique et conceptuel : un récit de sauveur extraterrestre porté par des morceaux comme « Starman », « Moonage Daydream », « Five Years » et « Ziggy Stardust ». Précédé par le single « Starman », l'album atteint la 5e place du UK Albums Chart et figure aujourd'hui régulièrement parmi les plus grands albums de tous les temps. À noter que le producteur Ken Scott a déclaré qu'il n'avait jamais été conçu comme un album-concept strict, seuls « Ziggy Stardust », « Lady Stardust » et « Star » étant explicitement liés entre eux.
4. Brian Eno — Apollo: Atmospheres and Soundtracks : Sorti le 29 juillet 1983 chez EG Records, cet album ambient majeur a été créé par Brian Eno avec son frère Roger Eno et le producteur canadien Daniel Lanois. Il a été composé comme musique du documentaire d'Al Reinert sur le programme Apollo, For All Mankind, qui utilisait des images 35 mm de la NASA consacrées aux missions lunaires ; le film lui-même ne sortira qu'en 1989. Eno voulait retrouver la « grandeur » et « l'étrangeté » de l'alunissage d'Apollo 11, qu'il estimait avoir été affadies par les commentaires télévisés trop terre-à-terre. Les textures de pedal steel aux accents country (par exemple « Deep Blue Day » ou « Silver Morning ») évoquent l'idée des astronautes comme cow-boys d'une nouvelle frontière, Eno ayant remarqué que les astronautes emportaient souvent des cassettes de country and western en orbite. « An Ending (Ascent) » a été largement utilisé au cinéma et a notamment été entendu lors de la cérémonie d'ouverture des Jeux olympiques de Londres en 2012. Une édition du 50e anniversaire, réunissant le trio original autour de onze nouveaux titres, est sortie en 2019.
5. Universal Harmonies de la NASA : Universal Harmonies est un album sorti le 10 mars 2023, composé de sonifications, c'est-à-dire de données astronomiques converties en sons, issues d'observations réalisées par l'observatoire à rayons X Chandra de la NASA et d'autres télescopes. Il a été produit dans le cadre du projet de sonification « A Universe of Sound » de la NASA, dirigé par la scientifique en visualisation Dr Kimberly Arcand, avec l'astrophysicien Dr Matt Russo et le groupe canadien SYSTEM Sounds. Ses 16 titres traduisent en musique de vraies données de télescopes provenant d'objets tels que des trous noirs, des supernovas, des nébuleuses et des amas de galaxies, notamment Cassiopeia A, la nébuleuse du Crabe, Sagittarius A*, la galaxie du Tourbillon (M51) et la nébuleuse de l'Aigle. L'objectif explicite est l'accessibilité : permettre aux personnes aveugles ou malvoyantes de découvrir les images de l'espace par le son. C'est le lien le plus littéral de cette liste avec un « enregistrement spatial », puisque la musique est générée directement à partir de données astronomiques. Les recettes des ventes sont reversées à la Helen Keller Foundation.
6. Jean-Michel Jarre — Rendez-Vous (1986) : Rendez-Vous est le huitième album studio du pionnier français de la musique électronique Jean-Michel Jarre, sorti en 1986 chez Disques Dreyfus (sous licence Polydor). L'album était la pièce maîtresse d'un immense concert en plein air à Houston, organisé pour célébrer le 150e anniversaire de la ville et les 25 ans de la NASA. Jarre a collaboré avec l'astronaute de la NASA Ronald McNair, deuxième Afro-Américain dans l'espace, physicien titulaire d'un doctorat du MIT et saxophoniste de jazz. McNair devait jouer la partie de saxophone du dernier morceau en direct depuis la navette spatiale Challenger, ce qui en aurait fait la première œuvre musicale originale enregistrée dans l'espace. Le 28 janvier 1986, Challenger s'est désintégrée 73 secondes après le décollage, tuant McNair et les six autres membres de l'équipage. Le morceau final a été intitulé « Last Rendez-Vous (Ron's Piece) » et dédié à l'équipage ; la partie de saxophone sur l'album a été jouée par le saxophoniste et clarinettiste français Pierre Gossez. Le concert de Houston a bien eu lieu le 5 avril 1986 ; le récit officiel de Jarre et le Guinness World Record mentionnent environ 1,3 million de spectateurs (certains chiffres dans la presse montent jusqu'à 1,5 million), avec le saxophoniste lauréat d'un Grammy Kirk Whalum reprenant la partie de McNair à la demande de sa veuve. L'album a atteint la 9e place au Royaume-Uni et la 52e aux États-Unis, a remporté la Victoire de la Musique de l'album instrumental de l'année et a été nommé aux Grammy Awards dans la catégorie Best New Age Album. À noter que McNair était déjà devenu, en 1984, la première personne à jouer d'un instrument de musique dans l'espace (un saxophone soprano) ; le projet autour de « Ron's Piece » devait donc être le premier enregistrement en orbite d'une composition originale.
7. Gustav Holst — The Planets (classique) : La suite orchestrale en sept mouvements de Holst, op. 32, a été composée entre 1914 et 1917. Sa première privée a eu lieu le 29 septembre 1918 sous la direction d'Adrian Boult, devant un public invité d'environ 250 personnes, et sa première exécution publique complète a eu lieu le 15 novembre 1920 au Queen's Hall de Londres, par le London Symphony Orchestra dirigé par Albert Coates. Chaque mouvement dépeint le caractère astrologique d'une planète (Mars, celui qui apporte la guerre ; Vénus, celle qui apporte la paix ; Jupiter, celui qui apporte la joie, etc.). L'inspiration de Holst vient de l'astrologie plutôt que de l'astronomie, et la suite exclut la Terre ainsi que Pluton, alors encore inconnue. C'est l'une des œuvres orchestrales les plus influentes du XXe siècle, dont on entend l'écho dans des musiques de film comme Star Wars de John Williams et, plus tard, dans le travail de Hans Zimmer pour Interstellar et Gladiator. Le langage harmonique et l'élan rythmique de « Mars, the Bringer of War », en particulier, sont devenus une sorte de modèle pour les représentations cinématographiques du conflit et de l'espace. Son ADN traverse des décennies d'écriture de bandes originales, de la menace des cuivres dans d'innombrables films de science-fiction et de guerre aux grands passages de cordes qui doivent beaucoup à « Jupiter ». Au-delà du cinéma, la vaste mélodie centrale de « Jupiter » a été adaptée en hymne patriotique sous le titre « I Vow to Thee, My Country », offrant à la suite une seconde vie bien au-delà de la salle de concert.
8. Public Service Broadcasting — The Race for Space (électronique/indie) : Sorti le 23 février 2015 sur le propre label du groupe, Test Card Recordings, cet album-concept du groupe britannique Public Service Broadcasting retrace la course à l'espace entre les États-Unis et l'Union soviétique de 1957 à 1972, en utilisant des échantillons audio d'archives provenant de la collection sonore de la NASA et des BFI National Archive, posés sur une musique aux influences électroniques et krautrock. L'album s'ouvre sur le discours « We choose to go to the Moon » prononcé par JFK à l'université Rice le 12 septembre 1962, puis avance chronologiquement à travers Spoutnik, Youri Gagarine, l'incendie d'Apollo 1 (« Fire in the Cockpit »), la première sortie extravéhiculaire d'Alexeï Leonov (« E.V.A. »), Valentina Terechkova (« Valentina »), l'orbite lunaire d'Apollo 8 (« The Other Side ») et l'alunissage d'Apollo 11 (« Go! »). Il a atteint la 11e place du UK Albums Chart et la 1re place du UK Indie Albums Chart, et son édition vinyle a figuré parmi les disques les plus vendus de 2015 au Royaume-Uni.
9. Vangelis — Albedo 0.39 (prog électronique) : Sorti en septembre 1976 chez RCA, cet album-concept du compositeur électronique grec Vangelis est centré sur la physique de l'espace. Son titre fait référence à l'albédo de la Terre, c'est-à-dire la proportion de lumière solaire qu'une planète renvoie vers l'espace, donnée à l'époque comme 0,39. Le morceau-titre, très atmosphérique, comprend une narration parlée (par l'ingénieur Keith Spencer-Allen) énumérant les constantes physiques et orbitales de la Terre, et l'album intègre des enregistrements audio d'astronautes Apollo de la NASA ainsi que les bips de l'horloge parlante britannique. Il contient les titres emblématiques et très souvent utilisés sous licence « Pulstar » (nommé d'après un pulsar) et « Alpha », tous deux repris plus tard dans Cosmos de Carl Sagan. C'est le premier album de Vangelis à entrer dans le Top 20 britannique, où il atteint la 18e place. Il offre une seconde option électronique, avec un cadre plus « sciences dures », distinct de l'approche archivistique de Public Service Broadcasting.
10. Pink Floyd — The Dark Side of the Moon (rock) : Sorti en mars 1973, le huitième album de Pink Floyd est l'un des albums les plus vendus et les plus longtemps classés de l'histoire, avec plus de 45 millions d'exemplaires vendus et une présence record dans le Billboard 200. Son titre, sa réputation de « space rock » (construite sur des morceaux plus anciens comme « Interstellar Overdrive ») et sa présentation publique au London Planetarium lui donnent de fortes associations cosmiques et visuelles. Toutefois, le titre est avant tout une métaphore de la folie / lunacy plutôt qu'une référence littérale à l'espace : l'intention du groupe était tournée vers l'espace intérieur, psychologique, et l'album se termine sur une remarque qui nie l'existence d'une véritable face cachée de la Lune.
