Pendant une grande partie du XXe siècle, l’histoire du saxophone a souvent été racontée à travers une galerie de noms familiers, majoritairement masculins, alors que l’histoire de l’instrument a aussi été façonnée en profondeur par des femmes dont les contributions ont parfois été sous-estimées ou passées sous silence. De l’ère des big bands et de l’essor du jazz moderne jusqu’aux improvisatrices et compositrices d’aujourd’hui qui repoussent les limites, les saxophonistes américaines ont joué un rôle important dans l’élargissement de ce que l’instrument peut exprimer, dire et faire, contribuant à enrichir aussi bien ses possibilités expressives que sa place dans le paysage musical au sens large.
Cet article propose un aperçu de quelques-unes de ces voix, à travers différentes générations et contextes musicaux, en réunissant certaines pionnières dont le travail a contribué à ouvrir la voie à celles qui ont suivi, aux côtés de plusieurs musiciennes contemporaines qui perpétuent aujourd’hui cet esprit. Voyez-le comme un court voyage à travers une lignée de saxophonistes américaines dont l’art, l’influence et la personnalité méritent qu’on s’y attarde, et peut-être plus encore, qu’on les écoute avec plus d’attention !
Vi Redd (1928 – 2022)Vi Redd est l’une des toutes premières femmes à s’être imposée comme grande soliste de saxophone jazz. Née à Los Angeles en 1928 et élevée dans un environnement profondément musical, elle est la fille du batteur Alton Redd, musicien originaire de La Nouvelle-Orléans, cofondateur du légendaire Clef Club et acteur de la scène jazz effervescente de Central Avenue. Grandir dans cet environnement l’a mise en contact, dès son plus jeune âge, avec de nombreuses grandes figures du jazz, et elle a fini par développer, à l’alto, un style fortement influencé par Charlie « Bird » Parker et la tradition bebop.
Dans les années 1950 et 1960, Redd s’est produite aux côtés de grandes figures du jazz telles que Count Basie, Max Roach, Earl Hines et Dizzy Gillespie, s’imposant comme une soliste respectée à une époque où les femmes instrumentistes restaient rares dans le monde professionnel du jazz. Son jeu était souvent décrit comme un son feutré associé à un swing brillant et sans effort, avec un phrasé capable de naviguer dans des progressions harmoniques rapides tout en conservant une assise rythmique solide.
Au début des années 1960, elle était devenue une habituée de la scène jazz de Los Angeles, se produisant chaque semaine dans des salles comme le Red Carpet Jazz Club, où elle mêlait son jeu de saxophone à des interprétations vocales teintées de blues. En 1962, lorsque Redd se produisit avec son propre groupe au Las Vegas Jazz Festival, le Los Angeles Sentinel souligna l’importance de l’événement dans l’histoire du jazz, notant : « Une autre première pour le festival de Las Vegas… puisque Vi Redd devient la première femme à figurer parmi les têtes d’affiche instrumentales d’un festival de jazz. En réalité, Miss Redd est sans doute la première instrumentiste à vent de l’histoire du jazz à s’imposer comme grande soliste. »
Redd a enregistré deux albums en tant que leader, Bird Call et Lady Soul, qui mettent tous deux en valeur son son expressif à l’alto et son sens de la mélodie. Si sa discographie est restée relativement modeste, son influence en tant qu’interprète a été largement reconnue. À partir des années 1970, elle a consacré une grande partie de sa carrière à l’enseignement, notamment à l’Université de Californie du Sud, et a siégé dans des comités consultatifs du National Endowment for the Arts, contribuant ainsi à soutenir et à orienter la génération suivante de musiciens de jazz.
Roz Cron (1925–2021) Roz Cron était saxophoniste alto et membre des International Sweethearts of Rhythm, le big band entièrement féminin qui a marqué les esprits et connu une popularité internationale pendant la Seconde Guerre mondiale. À une époque où les femmes instrumentistes étaient rarement prises au sérieux dans le jazz, les Sweethearts ont prouvé le contraire. Comme l’a relevé plus tard le bassiste et historien Christian McBride : « Elles ont sans doute été le premier groupe entièrement féminin pris au sérieux. »
L’ensemble fut également l’un des premiers groupes de jazz racialement mixtes aux États-Unis, multipliant les tournées malgré les lois de ségrégation en vigueur dans le Sud américain. Voyager ensemble impliquait souvent d’affronter un danger bien réel. Cron, qui avait grandi dans le Nord des États-Unis, se souvenait plus tard à quel point ces réalités l’avaient choquée : « Je n’avais jamais entendu parler des lois Jim Crow… et nous partions justement en tournée droit vers le Sud profond. » Les membres du groupe devaient même inventer des histoires pour éviter d’être arrêtées en vertu des lois de ségrégation. Cron se souvenait qu’on lui avait appris à expliquer son identité en cas de contrôle : « J’avais inventé une histoire selon laquelle mon père était blanc et ma mère noire. »
Cron attribuait souvent son indépendance d’esprit à son éducation, remarquant un jour : « Mon père a été le premier féministe que j’ai connu. » Au sein des Sweethearts, des musiciennes d’origines très différentes jouaient côte à côte, bien avant qu’une telle mixité ne soit largement acceptée dans la société américaine. L’historienne Sherrie Tucker a plus tard décrit le groupe comme incarnant « des féministes intersectionnelles en avance sur leur temps… des femmes de couleur et des femmes blanches, lesbiennes et hétérosexuelles, s’aimant et travaillant ensemble sans effort. »
Malgré les obstacles sociaux auxquels elles étaient confrontées, les Sweethearts se sont forgé une réputation musicale redoutable et ont contribué à démontrer que les femmes pouvaient jouer au plus haut niveau du jazz de big band. Cron est plus tard apparue dans des documentaires tels que International Sweethearts of Rhythm: America's Hottest All-Girl Band et The Girls in the Band, qui explorent l’histoire trop souvent négligée des femmes dans le jazz.
Jane Ira Bloom (née en 1955)Jane Ira Bloom est largement considérée comme l’une des saxophonistes soprano les plus singulières du jazz moderne, reconnue pour un timbre lyrique, un phrasé très personnel et une écriture audacieuse qui mêle improvisation et récit conceptuel. Dès les débuts de sa carrière, Bloom s’est forgé une identité musicale bien à elle, en se consacrant avant tout au saxophone soprano à une époque où peu de musiciens de jazz en avaient fait leur instrument principal.
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Son premier enregistrement, We Are (1978), un album en duo avec le contrebassiste Kent McLagan, révélait déjà les deux facettes de son talent, à la fois compositrice et improvisatrice, en proposant plusieurs de ses œuvres originales aux côtés d’interprétations du répertoire classique. Avec la sortie de son troisième album, Mighty Lights (1982), sa voix artistique s’était clairement affirmée. Cet enregistrement, auquel participaient notamment Charlie Haden, Ed Blackwell et Fred Hersch, a encore renforcé sa réputation d’instrumentiste capable d’allier sensibilité lyrique et recherche harmonique. Son interprétation de « Lost in the Stars », de Kurt Weill et Maxwell Anderson, tirée de Mighty Lights, est devenue par la suite l’une des sélections marquantes mises en avant dans The Penguin Guide to Jazz.
Au fil des décennies, Bloom a poursuivi une carrière marquée à la fois par l’innovation artistique et la reconnaissance critique. Elle a reçu de nombreuses distinctions, dont le Mary Lou Williams Women in Jazz Award pour l’ensemble de sa carrière, six récompenses de la Jazz Journalists Association pour le saxophone soprano, ainsi qu’une victoire au DownBeat International Critics Poll. Son influence dépasse aussi la scène : elle a enseigné dans des institutions telles que la New School for Jazz and Contemporary Music, à New York, contribuant à former les nouvelles générations d’improvisateurs.
Bloom s’est également distinguée par son goût pour l’exploration technologique et interdisciplinaire au sein du jazz. Dès les années 1980, elle expérimentait déjà l’électronique en combinaison avec son saxophone soprano, intégrant bandes magnétiques, traitements électroniques, ensembles de chambre et instrumentation élargie à ses compositions. Sa curiosité pour le son et la technologie l’a finalement menée à une collaboration remarquable avec le NASA Art Program, qui lui a commandé une musique inspirée par l’exploration spatiale. Les œuvres qui en ont résulté mêlent improvisation jazz, textures électroniques et réflexions thématiques autour du vol et du cosmos.
Tout au long de sa carrière, Bloom a aussi souvent puisé son inspiration dans la littérature et les arts visuels. Des albums comme Art and Aviation exploraient les thèmes du vol et de l’aéronautique, tandis que d’autres œuvres faisaient référence à la poésie, notamment aux écrits d’Emily Dickinson. Cette curiosité transdisciplinaire est devenue l’une des marques de fabrique de son travail artistique.
Les contributions de Bloom au jazz ont été reconnues aussi bien par des récompenses que par une reconnaissance culturelle plus large. Un festival de jazz basé à Brooklyn, consacré aux artistes féminines d’avant-garde, a été baptisé Bloom Festival en son honneur, et, hommage plus insolite encore, l’Union astronomique internationale a donné son nom à un astéroïde : 6083 Janeirabloom, une reconnaissance bien méritée pour une musicienne dont le travail a souvent dépassé les frontières traditionnelles du jazz.
Rosa King (1939–2000)Née en Géorgie en 1939, Rosa King a mené une carrière internationale en tant que saxophoniste ténor, réputée pour ses performances énergiques, son timbre puissant et sa présence scénique charismatique. Ayant grandi dans le Sud des États-Unis, elle a baigné dans la musique dès son plus jeune âge ; l’un de ses camarades de lycée n’était autre que Richard Penniman, qui deviendra plus tard célèbre sous le nom de Little Richard, pionnier du rock’n’roll. King s’est ensuite tournée vers le saxophone et a développé un style mêlant phrasé teinté de blues et intensité expressive de l’improvisation jazz.
Bien qu’américaine de naissance, une grande partie de la carrière de King s’est déroulée en Europe, où elle est devenue une figure très appréciée de la scène jazz et rhythm and blues, en particulier à Amsterdam, qui fut longtemps sa base d’attache. Au fil des années, elle s’est produite et a collaboré avec des artistes tels que Ben E. King, Cab Calloway, Eric Burdon et Sly Hampton, se forgeant une réputation d’interprète polyvalente, à l’aise entre jazz, soul et rhythm and blues.
La réputation internationale de King s’est nettement accrue après un mémorable « duel » de saxophone ténor avec Stan Getz au North Sea Jazz Festival en 1978, une rencontre qui a mis en lumière son son affirmé et son aisance scénique. Elle se produira ensuite à ce festival à de nombreuses reprises au cours de sa carrière, jusqu’à dix participations au total. Au-delà des festivals, King a aussi marqué la culture populaire, apparaissant dans des émissions telles que Sesame Street, dans divers programmes télévisés européens, ainsi que dans le film Comeback d’Eric Burdon.
Outre son travail d’interprète, King a joué un rôle important de mentor auprès de jeunes musiciens. Plusieurs carrières notables ont débuté dans son groupe, notamment celles de la saxophoniste Candy Dulfer, de la trompettiste Saskia Laroo et du guitariste Alex Britti. Son influence en tant que cheffe d’orchestre et mentor a contribué à façonner toute une génération de musiciens de jazz et de fusion en Europe.
Bien qu’elle ait conservé des attaches avec les États-Unis, notamment des séjours à New York, King est restée bien plus reconnue en Europe que dans son pays d’origine. À Amsterdam et dans toute la scène jazz européenne, elle est devenue une figure respectée et charismatique, dont on se souvient autant pour son talent musical que pour la personnalité vibrante qu’elle apportait sur scène.
Sa carrière s’est poursuivie jusque dans les dernières années de sa vie. L’une de ses dernières grandes apparitions a eu lieu en Italie, où elle a retrouvé le guitariste Alex Britti pour un concert diffusé à la télévision nationale devant près de 100 000 personnes. Rosa King s’est éteinte en 2000, laissant l’héritage de l’une des saxophonistes américaines les plus marquantes à avoir bâti une carrière internationale hors des États-Unis.
Si nombre des pionnières qui ont contribué à façonner l’histoire du saxophone ont émergé au XXe siècle, un groupe remarquable de musiciennes perpétue cet héritage jusqu’à aujourd’hui. Au cours des deux dernières décennies, une nouvelle génération de saxophonistes a élargi les possibilités expressives de l’instrument tout en bâtissant des carrières influentes dans le jazz, la musique populaire et les scènes expérimentales. Ces artistes comptent non seulement parmi les instrumentistes les plus captivantes de notre époque, mais elles ont de fortes chances de rester dans les mémoires comme des voix marquantes de leur génération. En regardant vers l’avenir, il est passionnant d’imaginer comment leur musique, leurs collaborations et leurs innovations continueront de façonner le son du saxophone dans les années à venir.
Tia FullerTia Fuller est l’une des saxophonistes les plus reconnues de sa génération, réputée pour son jeu virtuose à l’alto, ses compositions dynamiques et sa présence scénique affirmée. Née à Aurora, dans le Colorado, en 1976, Fuller s’est lancée dans la musique dès son plus jeune âge, étudiant d’abord la flûte avant d’adopter le saxophone comme instrument principal. Elle a suivi une formation académique au Spelman College, où elle a obtenu une licence en musique, avant de décrocher un master en pédagogie du jazz à l’Université du Colorado à Boulder. La carrière de Fuller a pris une envergure internationale lorsqu’elle a intégré le groupe de tournée entièrement féminin de Beyoncé, en tant que saxophoniste alto principale et directrice musicale lors de tournées mondiales. Parallèlement, elle a bâti une carrière respectée en tant que cheffe d’orchestre de jazz, publiant plusieurs albums salués par la critique, dont Angelic Warrior et Diamond Cut, tous deux nommés aux Grammy Awards. Son jeu mêle le langage traditionnel du jazz à des idées rythmiques et harmoniques contemporaines, et son talent a même trouvé un écho dans la culture populaire lorsqu’elle a servi d’inspiration musicale pour le personnage de Dorothea Williams dans le film d’animation Pixar Soul.
Melissa AldanaMelissa Aldana, aujourd’hui installée à New York, s’est imposée comme l’une des saxophonistes ténor les plus importantes de la scène jazz contemporaine. Née au Chili en 1988 dans une famille de musiciens, elle s’installe à Boston en 2006 pour étudier au Berklee College of Music, avant de s’établir sur la scène jazz new-yorkaise. Aldana obtient une reconnaissance internationale en 2013 en devenant la première femme à remporter le prestigieux Thelonious Monk International Jazz Saxophone Competition. Son jeu est souvent salué pour la richesse de son timbre et son approche lyrique, puisant son inspiration chez des maîtres du post-bop tels que Wayne Shorter et Joe Henderson, tout en conservant une écriture résolument moderne. Son album Visions (2019) lui vaut une nomination aux Grammy Awards dans la catégorie Best Improvised Jazz Solo, et ses travaux plus récents continuent d’explorer une narration expressive à travers la composition jazz, notamment avec Filin, paru en 2026 et inspiré de la tradition cubaine du filin, influencée par le boléro du milieu du XXe siècle.
Lakecia BenjaminLakecia Benjamin incarne une autre voix puissante du jazz contemporain. Saxophoniste alto basée à New York, Benjamin a forgé son son sous le mentorat du légendaire altiste Gary Bartz et perpétue la lignée des stylistes à l’alto, expressifs et pleins d’énergie. Son travail relie plusieurs univers musicaux, de l’improvisation jazz aux influences funk, soul et hip-hop. Au fil des années, elle a collaboré avec des artistes tels que Missy Elliott, Alicia Keys et Stevie Wonder, démontrant sa polyvalence en tant que soliste jazz et interprète capable de franchir les frontières des genres. Ses albums Phoenix et Phoenix Reimagined ont reçu plusieurs nominations aux Grammy Awards et ont été largement salués. Elle a également été distinguée comme « Up and Coming Artist of the Year » par la Jazz Journalists Association et comme Rising Star Alto Saxophonist dans le DownBeat Critics Poll.
Camille ThurmanCamille Thurman est saxophoniste ténor, chanteuse, compositrice et cheffe d’orchestre, une carrière qui témoigne d’une palette impressionnante de talents musicaux. Née dans le Queens, à New York, en 1986, Thurman commence à se produire très jeune avant d’adopter le saxophone ténor comme instrument principal. Sa carrière atteint un tournant historique en 2018 lorsqu’elle devient la première femme depuis plus de trente ans à tourner et se produire à temps plein avec le Jazz at Lincoln Center Orchestra, dirigé par Wynton Marsalis. Thurman a reçu de nombreuses distinctions au cours de sa carrière, dont des nominations au DownBeat Critics Poll en tant que Rising Star Tenor Saxophonist et Vocalist, une nomination au NAACP Image Award pour Outstanding Jazz Album, ainsi que l’ASCAP Herb Alpert Young Jazz Composer Award. En parallèle de sa carrière d’interprète, elle s’investit dans l’enseignement et le mentorat. En 2020, elle a fondé The Haven Hang, une initiative de mentorat destinée à soutenir et accompagner les jeunes femmes qui se lancent dans une carrière dans la musique et les arts de la scène.
