Pendant une grande partie du XXe siècle, l’histoire du saxophone a souvent été racontée à travers une galerie de noms bien connus, la plupart masculins, pourtant l’histoire de l’instrument a également été profondément et significativement façonnée par des femmes dont les contributions ont parfois été sous-estimées ou négligées. De l’ère des big bands et l’essor du jazz moderne jusqu’aux improvisatrices et compositrices d’aujourd’hui qui repoussent les frontières, les saxophonistes américaines ont joué un rôle important dans l’expansion de ce que l’instrument peut produire comme son, exprimer et accomplir, contribuant à élargir à la fois ses possibilités expressives et sa place dans le paysage musical au sens large.
Cet article propose un aperçu de certaines de ces voix, en traversant différentes générations et contextes musicaux, en réunissant à la fois des pionnières dont le travail a contribué à ouvrir la voie à celles qui ont suivi, ainsi que plusieurs musiciennes contemporaines qui perpétuent aujourd’hui cet esprit. Considérez-le comme un court voyage à travers une lignée de saxophonistes américaines dont l’art, l’influence et l’individualité méritent d’être reconnus, et peut-être plus important encore, d’être écoutés avec attention.
Vi Redd (1928 – 2022) Vi Redd est l’une des premières femmes à s’être imposées comme une grande soliste de saxophone jazz. Née à Los Angeles en 1928 et élevée dans un environnement profondément musical, elle était la fille du batteur Alton Redd, un musicien originaire de La Nouvelle-Orléans qui cofonda le légendaire Clef Club et fut actif sur la scène jazz dynamique de Central Avenue. Grandir dans cet environnement l’exposa dès son plus jeune âge à de nombreuses figures majeures du jazz, et elle développa par la suite un style à l’alto fortement influencé par Charlie « Bird » Parker et la tradition bebop.
Au cours des années 1950 et 1960, Redd se produisit aux côtés de grandes figures du jazz telles que Count Basie, Max Roach, Earl Hines et Dizzy Gillespie, s’imposant comme une soliste respectée à une époque où les femmes instrumentistes étaient encore rares dans le monde du jazz. Son jeu était souvent décrit comme possédant un timbre chaleureux associé à un swing lumineux et fluide, avec un phrasé capable de naviguer des progressions harmoniques rapides tout en conservant une forte assise rythmique.
Au début des années 1960, elle était devenue une présence régulière sur la scène jazz de Los Angeles, se produisant chaque semaine dans des lieux tels que le Red Carpet Jazz Club, où elle combinait son jeu de saxophone à des performances vocales imprégnées de blues. En 1962, lorsque Redd se produisit avec son propre groupe au Las Vegas Jazz Festival, le Los Angeles Sentinel souligna l’importance de l’événement en notant : « Une autre première pour le festival de Las Vegas… lorsque Vi Redd devient la première femme à figurer parmi les têtes d’affiche instrumentales d’un festival de jazz. En fait, Mlle Redd est peut-être la première femme instrumentiste à vent de l’histoire du jazz à s’imposer comme une grande soliste. »
Redd enregistra deux albums en tant que leader, Bird Call et Lady Soul, qui mirent en valeur son son expressif à l’alto et son sens mélodique. Bien que sa discographie soit relativement limitée, son influence en tant qu’interprète fut largement reconnue. À partir des années 1970, elle consacra une grande partie de sa carrière à l’enseignement, notamment à l’Université de Californie du Sud, et participa à des comités consultatifs pour le National Endowment for the Arts, contribuant à soutenir et orienter la nouvelle génération de musiciens de jazz.
Roz Cron (1925–2021) Roz Cron était saxophoniste alto et membre des International Sweethearts of Rhythm, le célèbre big band entièrement féminin qui connut une popularité internationale pendant la Seconde Guerre mondiale. À une époque où les femmes instrumentistes étaient rarement prises au sérieux dans le jazz, les Sweethearts prouvèrent le contraire. Comme l’a plus tard déclaré le bassiste et historien Christian McBride : « Elles furent probablement le premier groupe entièrement féminin à être pris au sérieux. »
L’ensemble fut également l’un des premiers groupes de jazz racialement intégrés aux États-Unis, tournant intensivement malgré les restrictions des lois de ségrégation dans le Sud. Voyager ensemble signifiait souvent faire face à un réel danger. Cron, qui avait grandi dans le Nord des États-Unis, se souvint plus tard du choc que cela représentait : « Je n’avais jamais entendu parler des lois Jim Crow… et nous étions en route vers le Sud profond. » Les membres du groupe devaient même inventer des histoires pour éviter d’être arrêtées en vertu des lois de ségrégation. Cron se rappelait avoir reçu des instructions précises : « J’ai inventé une histoire disant que mon père était blanc et ma mère noire. »
Cron attribuait souvent son esprit indépendant à son éducation, déclarant : « Mon père a été le premier féministe que j’ai connu. » Au sein des Sweethearts, des musiciennes d’origines différentes jouaient côte à côte bien avant que cela ne soit largement accepté dans la société américaine. L’historienne Sherrie Tucker décrivit plus tard le groupe comme représentant « des féministes intersectionnelles en avance sur leur temps… des femmes de couleur et des femmes blanches, lesbiennes et hétérosexuelles, s’aimant et travaillant ensemble avec aisance. »
Malgré les obstacles sociaux auxquels elles furent confrontées, les Sweethearts se forgèrent une solide réputation musicale et contribuèrent à démontrer que les femmes pouvaient se produire au plus haut niveau du jazz de big band. Cron apparut plus tard dans des documentaires tels que International Sweethearts of Rhythm: America’s Hottest All-Girl Band et The Girls in the Band, consacrés à l’histoire souvent négligée des femmes dans le jazz.
Jane Ira Bloom (née en 1955)Jane Ira Bloom est largement reconnue comme l’une des saxophonistes soprano les plus singulières du jazz moderne, célébrée pour un timbre lyrique, un phrasé très personnel et une écriture aventureuse qui mêle improvisation et narration conceptuelle. Dès les débuts de sa carrière, Bloom a façonné une identité musicale à part, en se concentrant principalement sur le saxophone soprano à une époque où relativement peu de musiciens de jazz en avaient fait leur instrument principal.
Son premier enregistrement, We Are (1978), un album en duo avec le contrebassiste Kent McLagan, révélait déjà les deux facettes de son talent, à la fois compositrice et improvisatrice, en proposant plusieurs de ses œuvres originales aux côtés d’interprétations du répertoire classique du jazz. À la sortie de son troisième album, Mighty Lights (1982), sa voix artistique s’était affirmée avec clarté. Cet enregistrement, auquel participaient des musiciens tels que Charlie Haden, Ed Blackwell et Fred Hersch, contribua à renforcer sa réputation d’instrumentiste capable de concilier une sensibilité lyrique avec des idées harmoniques exploratoires. L’interprétation par Bloom de « Lost in the Stars » de Kurt Weill et Maxwell Anderson, extraite de Mighty Lights, devint par la suite l’une des sélections remarquées dans The Penguin Guide to Jazz.
Au fil des décennies, Bloom a poursuivi une carrière marquée à la fois par l’innovation artistique et la reconnaissance critique. Elle a reçu de nombreuses distinctions, dont le Mary Lou Williams Women in Jazz Award pour l’ensemble de sa carrière, six prix de la Jazz Journalists Association pour le saxophone soprano, ainsi qu’une victoire au DownBeat International Critics Poll. Son influence dépasse également le cadre de la scène : elle a enseigné dans des institutions telles que la New School for Jazz and Contemporary Music à New York, contribuant à former les nouvelles générations d’improvisateurs.
Bloom s’est également distinguée par sa volonté d’explorer la technologie et les approches interdisciplinaires au sein du jazz. Dès les années 1980, elle expérimentait déjà l’électronique en combinaison avec son saxophone soprano, intégrant bandes, traitements électroniques, ensembles de musique de chambre et instrumentations étendues dans ses compositions. Sa curiosité pour le son et la technologie l’a finalement conduite à une collaboration remarquable avec le NASA Art Program, qui lui commanda des œuvres inspirées par l’exploration spatiale. Les pièces qui en résultèrent associaient improvisation jazz, textures électroniques et réflexions thématiques autour du vol et du cosmos.
Tout au long de sa carrière, Bloom a également puisé son inspiration dans la littérature et les arts visuels. Des albums comme Art and Aviation exploraient les thèmes du vol et de l’aéronautique, tandis que d’autres œuvres faisaient référence à la poésie, notamment aux écrits d’Emily Dickinson. Cette curiosité transdisciplinaire est devenue l’une des caractéristiques déterminantes de son travail artistique.
Les contributions de Bloom au jazz ont été reconnues non seulement par des récompenses, mais aussi par une reconnaissance culturelle plus large. Un festival de jazz basé à Brooklyn, consacré aux artistes féminines d’avant-garde, a été nommé le Bloom Festival en son honneur. Dans un hommage plus inhabituel encore, l’Union astronomique internationale a donné son nom à un astéroïde : 6083 Janeirabloom, une reconnaissance appropriée pour une musicienne dont le travail a souvent dépassé les frontières conventionnelles du jazz.
Rosa King (1939–2000)Née en Géorgie en 1939, Rosa King a construit une carrière internationale en tant que saxophoniste ténor, connue pour ses performances énergiques, son son puissant et sa présence scénique charismatique. Ayant grandi dans le sud des États-Unis, elle a été entourée de musique dès son plus jeune âge ; l’un de ses camarades de lycée était Richard Penniman, qui deviendrait plus tard célèbre sous le nom de pionnier du rock’n’roll Little Richard. King s’est ensuite tournée vers le saxophone et a développé un style mêlant un phrasé marqué par le blues à l’intensité expressive de l’improvisation jazz.
Bien qu’américaine de naissance, une grande partie de la carrière de King s’est déroulée en Europe, où elle est devenue une figure appréciée de la scène jazz et rhythm and blues, en particulier à Amsterdam, qui fut sa base pendant de nombreuses années. Au fil du temps, elle s’est produite et a collaboré avec des artistes tels que Ben E. King, Cab Calloway, Eric Burdon et Sly Hampton, se forgeant une réputation d’interprète polyvalente, à l’aise entre jazz, soul et rhythm and blues.
La réputation internationale de King s’est considérablement développée après un mémorable « duel » de saxophone ténor avec Stan Getz au North Sea Jazz Festival en 1978, une rencontre qui mit en lumière la puissance de son jeu et l’assurance de sa présence scénique. Elle participera ensuite à ce festival à de nombreuses reprises au cours de sa carrière, s’y produisant au total dix fois. Au-delà du circuit des festivals, King fut également présente dans la culture populaire, apparaissant dans des émissions de télévision telles que Sesame Street, dans divers programmes télévisés européens, ainsi que dans le film Comeback d’Eric Burdon.
En plus de son activité d’interprète, King a joué un rôle important de mentor auprès de jeunes musiciens. Plusieurs carrières notables ont débuté dans son groupe, notamment celles de la saxophoniste Candy Dulfer, de la trompettiste Saskia Laroo et du guitariste Alex Britti. Son influence en tant que cheffe d’orchestre et mentor a contribué à façonner toute une génération de musiciens de jazz et de fusion en Europe.
Malgré le maintien de liens avec les États-Unis, notamment des périodes de vie à New York, King est restée bien plus reconnue en Europe que dans son pays d’origine. À Amsterdam et sur l’ensemble de la scène jazz européenne, elle est devenue une figure respectée et charismatique, appréciée non seulement pour sa musicalité, mais aussi pour la personnalité vibrante qu’elle apportait sur scène.
Sa carrière s’est poursuivie jusque dans les dernières années de sa vie. L’une de ses dernières apparitions majeures eut lieu en Italie, où elle retrouva le guitariste Alex Britti pour un concert diffusé à la télévision nationale, rassemblant près de 100 000 spectateurs. Rosa King s’est éteinte en 2000, laissant derrière elle l’héritage d’une des saxophonistes américaines les plus dynamiques à avoir construit une carrière internationale en dehors des États-Unis.
Alors que de nombreux pionniers ayant contribué à façonner l’histoire du saxophone ont émergé au XXe siècle, un groupe remarquable de musiciens a poursuivi cet héritage jusqu’à aujourd’hui. Au cours des deux dernières décennies, une nouvelle génération de saxophonistes a élargi les possibilités expressives de l’instrument tout en construisant des carrières influentes dans le jazz, les musiques populaires et les scènes expérimentales. Ces artistes ne comptent pas seulement parmi les instrumentistes les plus marquants de notre époque, ils sont aussi très probablement appelés à être considérés comme des voix déterminantes de leur génération. En regardant vers l’avenir, il est enthousiasmant d’imaginer comment leur musique, leurs collaborations et leurs innovations continueront de façonner le son du saxophone dans les années à venir.
Tia FullerTia Fuller est l’une des saxophonistes les plus reconnues de sa génération, connue pour son jeu virtuose au saxophone alto, ses compositions dynamiques et sa présence scénique affirmée. Née à Aurora, dans le Colorado, en 1976, Fuller a commencé son parcours musical dès son plus jeune âge, étudiant d’abord la flûte avant d’adopter le saxophone comme instrument principal. Elle a suivi une formation académique au Spelman College, où elle a obtenu une licence en musique, avant de poursuivre avec un master en pédagogie du jazz à l’Université du Colorado à Boulder. La carrière de Fuller a acquis une visibilité internationale lorsqu’elle a rejoint le groupe de tournée entièrement féminin de Beyoncé, en tant que saxophoniste alto principale et directrice musicale lors de tournées mondiales. Parallèlement à cette activité, elle a construit une carrière reconnue en tant que cheffe d’orchestre de jazz, publiant plusieurs albums salués par la critique, dont Angelic Warrior et Diamond Cut, tous deux nommés aux Grammy Awards. Son jeu mêle le langage du jazz traditionnel à des idées rythmiques et harmoniques contemporaines, et son univers artistique a même trouvé un écho dans la culture populaire lorsqu’elle a servi d’inspiration musicale pour le personnage de Dorothea Williams dans le film d’animation Soul des studios Pixar.
Melissa AldanaMelissa Aldana, aujourd’hui installée à New York, s’est imposée comme l’une des saxophonistes ténor les plus importantes de la scène jazz contemporaine. Née au Chili en 1988 dans une famille de musiciens, elle s’est installée à Boston en 2006 pour étudier au Berklee College of Music avant de s’établir au sein de la scène jazz new-yorkaise. Aldana a acquis une reconnaissance internationale en 2013 lorsqu’elle est devenue la première femme à remporter le prestigieux Thelonious Monk International Jazz Saxophone Competition. Son jeu est souvent remarqué pour la richesse de son timbre et son approche lyrique, s’inspirant de figures majeures du post-bop telles que Wayne Shorter et Joe Henderson, tout en conservant une voix compositionnelle résolument moderne. Son album Visions (2019) a été nommé aux Grammy Awards dans la catégorie Best Improvised Jazz Solo, et ses travaux plus récents continuent d’explorer une narration expressive à travers la composition jazz, notamment avec sa sortie de 2026, Filin, inspirée de la tradition cubaine du filin influencée par le boléro du milieu du XXe siècle.
Lakecia BenjaminLakecia Benjamin représente une autre voix puissante du jazz contemporain. Saxophoniste alto basée à New York, Benjamin a développé son langage musical sous le mentorat du légendaire altiste Gary Bartz et s’inscrit dans la lignée des stylistes expressifs et énergiques du saxophone alto. Son travail fait le lien entre plusieurs univers musicaux, de l’improvisation jazz aux influences funk, soul et hip-hop. Au fil des années, elle a collaboré avec des artistes tels que Missy Elliott, Alicia Keys et Stevie Wonder, démontrant sa polyvalence en tant que soliste jazz et artiste capable de franchir les frontières des genres. Les albums Phoenix et Phoenix Reimagined ont reçu plusieurs nominations aux Grammy Awards et ont été largement salués par la critique. Elle a également été reconnue comme « Up and Coming Artist of the Year » par la Jazz Journalists Association et comme Rising Star Alto Saxophonist dans le DownBeat Critics Poll.
Camille ThurmanCamille Thurman est une saxophoniste ténor, chanteuse, compositrice et cheffe d’orchestre dont la carrière témoigne d’une remarquable diversité de compétences musicales. Née dans le Queens à New York en 1986, Thurman a commencé à se produire dès son plus jeune âge avant d’adopter le saxophone ténor comme instrument principal. Sa carrière a atteint un jalon historique en 2018 lorsqu’elle est devenue la première femme depuis plus de trente ans à tourner et se produire à temps plein avec le Jazz at Lincoln Center Orchestra dirigé par Wynton Marsalis. Thurman a reçu de nombreuses distinctions au cours de sa carrière, notamment des nominations dans le DownBeat Critics Poll en tant que Rising Star Tenor Saxophonist et Vocalist, une nomination aux NAACP Image Awards pour Outstanding Jazz Album, ainsi que le ASCAP Herb Alpert Young Jazz Composer Award. En parallèle de sa carrière d’interprète, elle s’est également engagée dans l’enseignement et le mentorat. En 2020, elle a fondé The Haven Hang, une initiative de mentorat destinée à soutenir et accompagner les jeunes femmes poursuivant une carrière dans la musique et les arts de la scène.
