Desde sus orígenes, el saxofón ha sido un instrumento rebelde. El instrumento llegó a estar tan estrechamente ligado a la cultura disidente que los regímenes represivos intentaron silenciarlo en repetidas ocasiones. En 1914, el Vaticano lo prohibió en las iglesias, probablemente por su asociación con bailes sexualmente sugerentes. En 1933, cuando los nazis tomaron el poder en Alemania, el saxofón ya era un símbolo del jazz y de la cultura afroamericana. Fue etiquetado"arte degenerado" y prohibido. Un cartel de propaganda de 1938 mostraba una caricatura de un personaje negro que llevaba una estrella de David y tocaba el saxofón, vinculando el jazz tanto a la raza como al antisemitismo. En la Unión Soviética de los años 30, el gobierno de Stalin también prohibió el saxofón. Se consideraba (irónicamente) el sonido del imperialismo burgués estadounidense. Como explicó un historiador,"El saxofón era la encarnación del jazz, que a su vez era la encarnación de la cultura imperialista burguesa estadounidense, así que esa sería una razón suficiente para prohibir el saxofón".
"Música degenerada" (1938)
Para quienes luchaban contra la injusticia, el saxofón se convirtió en una voz de liberación."El jazz es realmente un arte negro". reflexionó la leyenda del saxo Sonny Rollins, señalando que el saxo es tan fundamental para el jazz que"casi representa"el espíritu de la música. En el siglo XX, ese espíritu llegó a las protestas de todo el mundo. Los saxofones han agitado a las multitudes en los mítines, han transmitido melodías de resistencia en las grabaciones y han dotado a las canciones de protesta de una inconfundible carga emocional. A continuación, exploramos momentos históricos concretos en los que el saxofón dijo la verdad al poder.
Estados Unidos: Saxofones y derechos civiles
A mediados del siglo XX, los músicos de jazz fueron incorporando cada vez más la lucha por los derechos civiles a su música. Ya en 1958, el saxofonista tenorSonny Rollins publicadoSuite Libertaduna audaz suite instrumental sobre la desigualdad racial. Rollins recibió la influencia de líderes de los derechos civiles como W.E.B. Du Bois, que instó a los artistas negros a utilizar su arte para luchar contra la injusticia."Cualquier artista que se haya hecho famoso en Estados Unidos tenía la responsabilidad de hablar de las injusticias que sufrían los negros... a través de su arte". recordó Rollins."Así que en cuanto tuve ocasión... compuse la Freedom Suite".. Insistió en incluir un mensaje explícito en las notas del álbum: "Qué irónico que el NEGRo, que más que ningún otro pueblo puede reclamar la cultura de Estados Unidos como propia, esté siendo perseguido y reprimido". La franqueza de Rollins fue controvertida en su momento. La discográfica llegó a reeditarSuite Libertad con un título diferente para evitar reacciones negativas, pero fue una de las primeras veces que un saxofonista de jazz abordó directamente los derechos civiles en su música.
Por la misma época, el bajistaCharles Mingus (en cuyos conjuntos destacaban los saxofones) apuntó a los sEGRegationistas con una mordaz composición titulada"Fábulas de Faubus". Escrito en 1959 como"una protesta directa" contra el gobernador de Arkansas Orval Faubus , tristemente célebre por intentar bloquear la intEGRación escolar. Se convirtió en una de las obras más explícitamente políticas de Mingus. En un principio, Mingus escribió una letra mordaz (en la que se burlaba de Faubus tachándolo de "ridículo" y aludía al KKK y a los fascistas), aunque su compañía discográfica censuró las voces en el primer lanzamiento. En su lugar, la pieza se grabó como un instrumento que se basaba en sarcásticas pinceladas musicales y en airadas interjecciones de instrumentos de viento para transmitir su mensaje. Cuando Mingus interpretó más tarde"Fábulas de Faubus"En directo y en sellos independientes, recuperó las voces de llamada y respuesta con riffs de saxofón y batería que amplificaban el tono despreciativo de la canción. Los críticos lo reconocieron como jazz de protesta en su máxima expresión. Don Heckman, destacado crítico de jazz, describió el disco como"mordazmente directo y duramente satírico," a"estocada mortal" de sátira musical a la intolerancia.
A principios de la década de 1960, a medida que crecían las protestas por los derechos civiles, más saxofonistas de jazz prestaron su talento a la causa. En 1960, el batería Max Roach publicóInsistimos Suite Freedom Nowun potente álbum sobre los derechos civiles en el que participó el gigante del saxo tenor Coleman Hawkins junto a jóvenes activistas. La mezcla de solos de saxo, voces gospel de Abbey Lincoln y percusión africana se describió como una "revolución civil"."torrente de ira y angustia" que reflejaba la creciente ola de protestas. Esta colaboración tendió un puente entre generaciones. Hawkins, que había sido uno de los primeros grandes estilistas del saxo en los años treinta, utilizó su instrumento en solidaridad con el movimiento de los sesenta, incluso cuando estaba surgiendo una nueva ola de saxofonistas de vanguardia.
Una de esas voces más jóvenes eraJohn Coltranecuyo cuarteto utilizó el jazz instrumental para rendir homenaje a la lucha por los derechos civiles. La lúgubre pieza de Coltrane de 1963"Alabama" es un claro ejemplo: aunque sin palabras, se entendió ampliamente como una respuesta al atentado contra la iglesia baptista de la calle 16, en el que murieron cuatro niñas afroamericanas en Birmingham, Alabama, ese mismo año. Coltrane compuso "Alabama"en las secuelas de los atentados, al parecer dando forma a las líneas de su saxofón para que se hicieran eco de las cadencias del discurso fúnebre del Dr. Martin Luther King Jr. Interpretada con solemne intensidad por su cuarteto, la pieza transmite dolor y determinación a partes iguales. Su inquietante melodía de saxo tenor y el angustioso "grito" final del instrumento lo dicen todo."A veces, prefieres gritar y montar en cólera antes que tener que explicar nada". como escribió Ismail Muhammad, crítico musical de Oakland, California, enRevista de París como parte de una retrospectiva. Décadas después, "Alabama" sigue resonando. En medio de las protestas de Black Lives Matter de 2020, la canción"se siente más relevante y urgente que nunca". escribió el historiador del jazz Lewis Porter, señalando que el grito instrumental de Coltrane por la justicia sigue hablando de las luchas actuales.
Más allá de estas notables grabaciones, los saxofones se escucharon literalmente en primera línea de las protestas estadounidenses. Los conciertos benéficos de jazz para causas de derechos civiles se hicieron comunes en la década de 1960. Leyendas como Coltrane, Rollins y Duke Ellington tocaron en mítines o actos para recaudar fondos, utilizando su música para atraer multitudes y levantar la moral (y el dinero) del movimiento. Cuando el Dr. King marchó en Birmingham y otros lugares, las bandas locales de jazz y gospel a veces acompañaban a los manifestantes. Aunque el papel del saxofón era menos directo que en las actuaciones de los clubes de jazz, su presencia simbolizaba la solidaridad cultural. A medida que el movimiento por los derechos civiles conseguía victorias (la Ley de Derechos Civiles (1964) y la Ley del Derecho al Voto (1965)), muchos músicos afroamericanos lo celebraban con composiciones (por ejemplo,Albert Ayler improvisaciones de saxofón en"La verdad está marchando" evocan una jubilosa procesión gospel). Al mismo tiempo, la agitación racial y política de finales de los 60 empujó a algunos artistas hacia expresiones más airadas y vanguardistas. Saxofonistas comoArchie Shepp yPharoah Sanders dio rienda suelta a fogosas improvisaciones de "free jazz" que encarnaban la frustración y la conciencia negras. El álbum de Shepp de 1972Blues de Áticapor ejemplo, fue una apasionada reacción musical a una revuelta carcelaria. Desde elegías melodiosas como "Alabama" a explosivas declaraciones de free-jazz, los saxofonistas estadounidenses convirtieron su música en un vehículo para los movimientos por los derechos civiles y la liberación de los negros.
Sudáfrica: Himnos contra el apartheid
Bajo el régimen del apartheid sudafricano, la música fue una forma crucial de protesta y unidad, y el saxofón desempeñó un papel estelar. Un ejemplo emblemático es"Mannenberg"un instrumental de jazz de 1974 del pianista Abdullah Ibrahim (entonces conocido como Dollar Brand) en el que participan los saxofonistas Basil Coetzee y Robbie Jansen.Mannenberg - Es donde está ocurriendo se grabó con el telón de fondo de los desalojos forzosos de familias no blancas de los barrios de Ciudad del Cabo. Ibrahim bautizó la pieza con el nombre del municipio de Manenberg, donde fueron reubicadas muchas de las personas desahuciadas. La canción caló hondo. Su contagioso ritmo de jazz y"inquietante solo de saxofón tenor de Basil Coetzee" atrapó a los oyentes.Mannenberg se convirtió en un éxito instantáneo y se identificó rápidamente con la valiente lucha contra el apartheid.
"Mannenberg Cover Art" (1974)
Aunque puramente instrumental (aparte de un par de líneas gritadas en afrikaans), "Mannenberg"hablaba de las realidades del apartheid. El dolor de la desposesión, pero también la resistencia de la comunidad. La química entre el piano de Ibrahim y el saxo tenor de Coetzee destila tristeza y esperanza. Los sudafricanos de todas las razas la abrazaron, y en los años 80 se la llamaba a menudo la"himno nacional no oficial" del movimiento antiapartheid. Durante las concentraciones de protesta y las reuniones comunitarias en los municipios, las bandas locales tocaban "Mannenberg"para levantar el ánimo. El saxofonista Basil Coetzee, que se ganó el apodo de "Mannenberg"después de su famoso solo, se convirtió en un fijo de estas reuniones."Durante los años de lucha, Coetzee estuvo en primera línea... siempre dispuesto a poner música a los mítines". notas historiador de jazzGwen Ansell. Ansell observó que la canción "se convirtió en una canción de protesta destacada, incluso en un himno del levantamiento popular" en los años ochenta.
Músicos comoHugh Masekela (trompetista) yDudu Pukwana (saxofonista) también fabricó instrumentales que clamaban contra la injusticia. La canción de Masekela de 1987 "Traedlo de vuelta a casa". con sus alegres líneas de saxo, se convirtió en la súplica de un exiliado por la liberación de Nelson Mandela. A finales de los 80, con el aumento de las protestas masivas, las huelgas y la presión internacional, estas canciones fueron la banda sonora de la resistencia. También viajaron al extranjero: Ibrahim, Masekela y otros interpretaron música antiapartheid en el extranjero mientras estaban en el exilio, utilizando saxofones y trompetas para"internacionalizar la lucha" para audiencias de todo el mundo.
El impacto público de estas protestas musicales fue real. El gobierno del apartheid percibió la amenaza en unas canciones que unían a la gente, prohibió ciertos discos y censuró o acosó a los músicos. El propio Ibrahim se vio obligado a exiliarse durante muchos años;Mannenberg nunca se emitió en la radio controlada por el Estado, pero su popularidad se extendió gracias al boca a boca y a la distribución clandestina. Incluso décadas después, mucho después de la caída del apartheid,Mannenberg sigue siendo un querido "himno de esperanza, resistencia y resiliencia". como lo describió el escritor Lindsay Johns de The Spectator.
Nigeria: La revolución afrobeat de Fela Kuti
En África Occidental, un músico llevó la idea de la música protesta a un nivel totalmente nuevo y lo hizo con un saxofón en la mano.Fela Anikulapo Kuti de Nigeria, fue un multiinstrumentista y director de orquesta más conocido por ser el pionero delAfrobeatun género que mezcla jazz, funk y ritmos tradicionales de África Occidental. Fela cantaba a menudo en inglés pidgin y hacía críticas políticas mordaces en sus letras. Pero, sobre todo, su Los abrasadores solos de saxofón y los arreglos a base de instrumentos de viento transmitían la emoción de sus mensajes. Es famosa su descripción de su misión:"La música es el arma. La música es el arma del futuro". Fela veía en la música una herramienta para luchar contra la corrupción y el autoritarismo, y blandía su saxofón como un megáfono para el pueblo.
A lo largo de la década de 1970, Fela Kuti publicó una serie de explosivos álbumes de protesta que sacudieron a los gobernantes nigerianos. Una de sus canciones más famosas,"Zombie" (1976), presenta implacables e hipnóticos riffs de saxo y voces de llamada y respuesta que se burlan del ejército nigeriano. La canción compara a los soldados con zombis descerebrados que obedecen órdenes. Al público le encantó; al régimen, no. Después de "Zombie" se hizo popular, la tolerancia del gobierno se quebró. En febrero de 1977, unos mil soldados atacaron el recinto comunal de Fela (la República de Kalakuta) como represalia. El asalto fue brutal: Fela fue duramente golpeado, y su anciana madre -una venerada activista anticolonialista- fue arrojada desde una ventana del segundo piso, muriendo más tarde a causa de las heridas. Esta violenta represión no hizo sino aumentar la estatura de Fela como icono de la protesta. Celebró un funeral simulado para su madre y continuó burlándose de las autoridades con canciones, llegando incluso a llevar el ataúd de su madre a un cuartel del ejército en un último acto de desafío.
Un collage de titulares de periódicos nigerianos de 1977 recoge el violento asalto a la República de Kalakuta de Fela Kuti.
Las actuaciones en directo de Fela eran en sí mismas actos de protesta. Noche tras noche, en su club de Lagos, The Shrine, él y su big band (con Fela como saxo solista) tocaban ritmos maratonianos que se convertían en mítines políticos. Entre canción y canción se dirigía al público, condenando los abusos del gobierno y exhortando a la resistencia. Estos espectáculos atraían a menudo a un público numeroso de jóvenes y pobres, y se convertían en salidas seguras para la disidencia pública, al menos hasta que aparecían los soldados para clausurarlos. Los observadores señalaron que el desafío de Fela envalentonaba a su público. Pero también le hizo vulnerable. Fue detenido y encarcelado varias veces por cargos falsos. Sin embargo, se negó a abandonar Nigeria. En una entrevista a principios de los 80, fumando su característico puro, Fela destiló su filosofía:"La música es el arma del futuro". Creía profundamente que el ritmo y la verdad podían sobrevivir a cualquier régimen.
A finales del siglo XX, el afrobeat se convirtió en la banda sonora de la resistencia panafricana. De Ghana a Sudáfrica, los grupos versionaban las canciones de Fela o modelaban su estilo a partir del suyo, utilizando instrumentos de viento y percusión para desafiar la injusticia. Incluso en Estados Unidos, artistas como Brian Eno y los Talking Heads citaron la música de Fela como inspiración para su compromiso político.
Europa: Free Jazz y los sonidos del 68
La música de protesta con saxofones no se limitó a Estados Unidos o África. También en Europa, a finales de la década de 1960, el saxofón surgió como expresión de rebeldía, sobre todo en la escena del jazz de vanguardia. El año 1968 fue un punto álgido en toda Europa: los estudiantes inundaron las calles de París, los manifestantes antibelicistas se enfrentaron a las autoridades y los llamamientos al cambio social recorrieron ciudades desde Praga hasta Berlín. Este clima revolucionario"inevitablemente ejerció una influencia en la música". Los músicos de jazz europeos, inspirados en parte por el movimiento del free jazz en Estados Unidos, empezaron a adentrar su música en territorios radicalmente nuevos, reflejando la agitación y la energía de la época.
Izquierda: Coches arden delante de una comisaría de policía en el Barrio Latino, place du Pantheon, en París. (AFP/Getty Images) (1968)
Derecha: Policías antidisturbios en las calles del Barrio Latino de París durante los disturbios en Francia. (Foto de Reg Lancaster/Express/Getty Images) (1968)
Un ejemplo destacado esPeter Brötzmann álbumAmetralladoragrabado en 1968 en Alemania Occidental. Brötzmann, ardiente saxofonista y pintor, reunió a un grupo de músicos europeos de ideas afines -entre ellos su colega el saxofonista Evan Parker y el batería Han Bennink- para un ataque de improvisación colectiva. El resultado fue un"intensidad y pasión desgarradoras" sesión que un crítico calificó de"furioso, lanzallamas" de jazz proto-punk. El propio título del álbum,Ametralladoraevocaba el sonido de la batalla y la revolución
Al principio, muchos en la clase dirigente del jazz desestimaronAmetralladora como ruido. Pero para los jóvenes músicos de vanguardia y los artistas de izquierdas europeos fue una revelación. Se trataba deun nuevo lenguaje musical para la protestacaótico pero resuelto, que rechaza las viejas reglas del mismo modo que los manifestantes estudiantiles rechazaban a las viejas autoridades. El álbum fue autoproducido en una tirada limitada (sólo 300 copias inicialmente), lo que contribuyó a su mística underground. Con el tiempo, su leyenda creció. Los músicos lo reconocieron como"pieza pionera del free jazz" en el revolucionario año de 1968, una instantánea sonora de una época marcada por la agitación. En los años siguientes, Brötzmann y sus contemporáneos tocaron en festivales alternativos, okupas y actos políticos, alineando su arte con la contracultura europea. Los grupos de free jazz actuaron en manifestaciones contra la guerra de Vietnam y en apoyo de causas como el desarme nuclear. El saxofón, a menudo llevado a sus extremos tonales, se convirtió en emblema de la libertad (y a veces de la frustración) en estos escenarios.
No sólo las vanguardias vincularon el saxofón a la protesta europea. En el Reino Unido, por ejemplo, a finales de la década de 1970 los grupos de rock y ska utilizaron secciones de instrumentos de viento para enfrentarse al racismo y al desempleo. EnAlias especiales canción de éxito"Liberen a Nelson Mandela" (1984), un alegato a favor de la liberación del líder sudafricano encarcelado. La canción se convirtió en un himno internacional de protesta, que sonaba por igual en emisoras de radio y manifestaciones, con sus pegadizas líneas de instrumentos que transmitían un mensaje serio.
Incluso bajo los regímenes autoritarios de Europa del Este, el jazz y el saxofón eran una forma silenciosa de desafío. En Checoslovaquia, Polonia y la URSS, los discos de jazz prohibidos se copiaban en radiografías.("registros óseos") y se intercambiaban en secreto entre los jóvenes. El simple hecho de poseer un saxofón o tocar jazz en una ciudad soviética durante la década de 1950 era un acto subversivo, un saxofonista ruso bromeaba diciendo que su instrumento era"básicamente considerada un arma" por las autoridades. Aunque gran parte de esta resistencia fue clandestina, ayudó a mantener vivo el espíritu de la libertad de expresión hasta tiempos más abiertos. Cuando el Telón de Acero empezó a levantarse a finales de los 80, los conciertos de jazz y rock (con muchos saxofones) fueron algunas de las primeras reuniones multitudinarias para celebrar la nueva libertad.
Una grabación de rayos X de las manos. (Fotografía de Paul Heartfield)
América Latina: Saxofones y canciones de liberación
Al otro lado del Atlántico, América Latina desarrolló su propia y rica tradición de música protesta, y el saxofón también encontró un lugar allí. En las décadas de 1960 y 1970, muchos países latinoamericanos vivían una época de agitación política, dictaduras o revueltas sociales. Los cantantes folclóricos con guitarra (como el chileno Víctor Jara y la argentina Mercedes Sosa) solían encabezar el movimiento de la Nueva Canción de canciones con conciencia social. Pero también hubo artistas de jazz y rock fusión que utilizaron instrumentos de viento para añadir potencia a la música de protesta.
Una figura pionera fue el saxofonista tenor argentinoLeandro "Gato" Barbieri. A principios de la década de 1970, Barbieri fusionó el espíritu del jazz de vanguardia con temas folclóricos latinoamericanos y la política revolucionaria. ¡Publicó una serie de álbumes en Impulse! Records, entre ellosCapítulo uno: América Latina (1973),Capítulo dos: Hasta siempre (1973), yViva Emiliano Zapata (1974), que abarcaba explícitamente las luchas latinoamericanas. Barbieri "dio voz (a veces literalmente) a una potente y revolucionaria visión de América Latina". a través de estas obras. Mezcló ritmos indígenas, tango y melodías andinas, e incluso la famosa canción revolucionaria cubana"Hasta Siempre" en un contexto de jazz, con su saxo tenor crudo y lloroso uniéndolo todo. Los críticos señalan que Barbieri se comprometió con el"movimiento de free jazz altamente politizado" de la época y"la latinidad articulada como parte irreductible" de jazz protesta.
La música de Barbieri honraba a menudo los movimientos de liberación. El álbumViva Emiliano Zapata rindió homenaje al héroe revolucionario mexicano, mientras que los temas deHasta siempre lloró al Che Guevara y a los idealistas caídos en la década de 1960. En 1973, cuando el Presidente socialista chileno Salvador Allende fue derrocado en un golpe militar, Barbieri vivía en Nueva York y respondió actuando en una serie de conciertos de condena del golpe. Su estilo de saxo salvaje y apasionado (influido por John Coltrane y Pharoah Sanders) se convirtió en una especie de grito de guerra musical por la solidaridad latinoamericana. De hecho, sus discos Impulse! se identificaron tanto con el activismo que llegó a ser"considerado un activista político" él mismo por grabarlos.
Por supuesto, la música de protesta latinoamericana también prosperó en géneros populares como el rock, el ska y el reggae en español, donde aparecen con frecuencia los saxofones. En 1988, el grupo de rock mexicanoMaldita Vecindad publicado"Pachuco," una canción que critica los prejuicios sociales, impulsada por una potente sección de instrumentos de ska que incluye saxo. En Chile, durante la dictadura de Pinochet, grupos de jazz y fusión comoOrquesta Huambaly yCongreso deslizaban comentarios sociales en sus instrumentales; un solo de saxo bien colocado podía aludir a la libertad de una forma que los censores podrían pasar por alto. Del mismo modo, la música brasileña de finales de los 60Tropicália artistas comoGilberto Gil yLos Mutantes incorporan instrumentos de viento (saxofones, trompetas) para animar sus canciones de protesta cultural, aunque la represión gubernamental fue severa. En Uruguay, el grupo de protestaLos Olimareños añadió un saxo a algunos arreglos, ampliando la paleta folk.
Al poner el saxofón en diálogo con las formas folclóricas latinas, estos músicos crearon un nuevo lenguaje híbrido de protesta. Barbieri quizá lo expresó mejor con sus actos: tras años tocando jazz directo, se dio cuenta de que para tener un verdadero"lugar relevante en la historia," necesitaba abrazar sus propias raíces. El resultado fue un despertar musical. Este planteamiento ha tenido eco en generaciones posteriores: hoy se pueden encontrar bandas colombianas de cumbia con saxofones protagonizando canciones contra la corrupción, o conjuntos de jazz argentinos dedicando piezas a laMadres de Plaza de Mayo (las madres que protestan por los niños desaparecidos).
Conclusiones: El legado de una herramienta musical de protesta
Desde los clubes de jazz estadounidenses hasta los pueblos africanos, desde los festivales europeos hasta las plazas latinoamericanas, el saxofón ha demostrado una y otra vez ser una potente herramienta de música protesta.
Muchos de los momentos históricos que hemos destacado tuvieron resultados concretos influidos por la música. En Estados Unidos, las canciones de jazz y R&B ayudaron a galvanizar el apoyo a la legislación sobre derechos civiles (y también provocaron la ira del FBI de J. Edgar Hoover, como en el caso de la canción de Billie Holiday contra el linchamiento)."Strange Fruit"). En Sudáfrica, una generación que luchaba contra el apartheid sacó fuerzas de los himnos con saxo de Abdullah Ibrahim, contribuyendo a la presión popular sostenida que acabó con el sistema. En Nigeria, el afrobeat de Fela Kuti, impulsado por el saxo, se convirtió en una fuerza populista que amenazó tanto a las autoridades que éstas se sintieron obligadas a tomar represalias violentas. Sin embargo, su influencia no hizo más que crecer, inspirando a activistas democráticos mucho después de su muerte. Y en toda América Latina y Europa, la incorporación del saxofón a la música de protesta dio a esas canciones un atractivo transnacional. Un joven de la Polonia de los años ochenta podía escuchar algo de su propia lucha en las notas de una protesta de jazz estadounidense, del mismo modo que un exiliado sudafricano en Londres podía identificarse con los fogosos solos de un Gato Barbieri o un Peter Brötzmann.
Citas de quienes vivieron esos tiempos nos recuerdan el lugar del saxofón en la música protesta."Confunde a mucha gente y han intentado desacreditarlo". Sonny Rollins habló de la controvertida historia del instrumento. Pero lejos de caer en desgracia, el saxofón surgió como un instrumento de disidencia y empoderamiento. Como Rollins aprendió de Du Bois, y como demostró conSuite Libertadla música puede ser un vehículo para el cambio social. Basil Coetzee lo demostró en Ciudad del Cabo, convirtiendo una melodía de jazz en un grito de guerra. Y Fela lo declaró rotundamente: la música es un arma.
Siglo XXI: el legado continúa
Durante las protestas Extinction Rebellion de 2019 en Londres, bandas callejeras con saxofones convirtieron las marchas por el clima en potentes actuaciones públicas. En Estados Unidos, el saxofón de Kamasi Washington en el tema de 2020."Pies de Cerdo" pasó a formar parte del paisaje sonoro de Black Lives Matter. En Nigeria, Seun y Femi Kuti han continuado la tradición de protesta del afrobeat, utilizando arreglos de saxofón para desafiar la violencia y la corrupción del Estado, sobre todo durante el movimiento #EndSARS. El saxofón sigue siendo una herramienta de expresión en los momentos en que más importa alzar la voz.
