Per gran parte del Novecento, la storia del sassofono è stata spesso raccontata attraverso una schiera di nomi noti, per lo più maschili, eppure la storia dello strumento è stata anche profondamente e significativamente plasmata da donne il cui contributo è stato talvolta sottovalutato o trascurato. Dall'era delle big band e dall'ascesa del jazz moderno fino alle improvvisatrici e compositrici di oggi che sfidano i confini, le sassofoniste americane hanno svolto un ruolo importante nell'ampliare ciò che lo strumento può suonare, dire e fare, contribuendo ad allargare sia le sue possibilità espressive sia il suo posto nel più ampio panorama musicale.
Questo articolo dà uno sguardo ad alcune di queste voci, attraversando diverse generazioni e contesti musicali, riunendo alcune delle prime pioniere il cui lavoro ha contribuito ad aprire la strada a chi è venuto dopo, insieme a diverse interpreti contemporanee che oggi continuano a portare avanti questo spirito. Consideratelo un breve viaggio attraverso una stirpe di sassofoniste americane la cui arte, influenza e personalità meritano attenzione e, forse ancora più importante, meritano di essere ascoltate con più attenzione!
Vi Redd (1928 - 2022)Vi Redd è una delle prime donne ad affermarsi come grande solista di sassofono jazz. Nata a Los Angeles nel 1928 e cresciuta in un ambiente profondamente musicale, era figlia del batterista Alton Redd, musicista di New Orleans cofondatore del leggendario Clef Club e attivo nella vivace scena jazz di Central Avenue. Crescere in quell'ambiente la mise in contatto fin da giovanissima con molte grandi figure del jazz, e finì per sviluppare uno stile al sassofono contralto fortemente influenzato da Charlie "Bird" Parker e dalla tradizione bebop.
Negli anni '50 e '60, Redd si è esibita accanto a grandi nomi del jazz come Count Basie, Max Roach, Earl Hines e Dizzy Gillespie, affermandosi come solista rispettata in un'epoca in cui le strumentiste erano ancora rare nel mondo del jazz professionale. Il suo modo di suonare veniva spesso descritto come un tono dolce unito a uno swing brillante e senza sforzo, con un fraseggio capace di muoversi tra rapide progressioni di accordi mantenendo comunque un forte senso ritmico.
All'inizio degli anni '60 era diventata una presenza fissa nella scena jazz di Los Angeles, esibendosi ogni settimana in locali come il Red Carpet Jazz Club, dove univa il sassofono a performance vocali di stampo blues. Nel 1962, quando Redd si esibì con il proprio gruppo al Las Vegas Jazz Festival, il Los Angeles Sentinel descrisse l'occasione come un momento significativo nella storia del jazz, scrivendo: "Un'altra prima volta per il festival di Las Vegas… quando Vi Redd diventa la prima donna a comparire tra gli headliner strumentali di un festival jazz. Anzi, la signorina Redd potrebbe essere la prima strumentista a fiato nella storia del jazz ad affermarsi come grande solista."
Redd ha inciso due album come leader, Bird Call e Lady Soul, che mettono in risalto il suo suono espressivo al contralto e la sua sensibilità melodica. Sebbene la sua produzione discografica sia rimasta relativamente ridotta, la sua influenza come interprete è stata ampiamente riconosciuta. A partire dagli anni '70 ha dedicato gran parte della carriera all'insegnamento, insegnando alla University of Southern California e partecipando a comitati consultivi del National Endowment for the Arts, contribuendo così a sostenere e guidare la generazione successiva di musicisti jazz.
Roz Cron (1925–2021)Roz Cron era una sassofonista contralto e membro delle International Sweethearts of Rhythm, la rivoluzionaria big band interamente femminile che ottenne fama internazionale durante la Seconda guerra mondiale. In un'epoca in cui le strumentiste venivano raramente prese sul serio nel jazz, le Sweethearts dimostrarono il contrario. Come osservò in seguito il bassista e storico Christian McBride: "Furono probabilmente la prima band interamente femminile presa sul serio."
Il gruppo fu inoltre una delle prime formazioni jazz razzialmente miste degli Stati Uniti, in tournée nonostante le restrizioni delle leggi sulla segregazione nel Sud americano. Viaggiare insieme significava spesso affrontare un pericolo reale. Cron, cresciuta nel Nord degli Stati Uniti, ricordò in seguito quanto fossero scioccanti queste realtà: "Non avevo mai sentito parlare delle leggi Jim Crow… e stavamo andando dritte verso il profondo Sud." Le componenti della band dovettero persino inventarsi delle storie per evitare l'arresto in base alle leggi sulla segregazione. Cron ricordava di aver ricevuto istruzioni su come spiegare la propria identità in caso di domande: "Mi sono inventata che mio padre era bianco e mia madre nera."
Cron attribuiva spesso il proprio spirito indipendente alla propria educazione, osservando una volta: "Mio padre è stato il primo femminista che abbia conosciuto." All'interno delle Sweethearts, musiciste di estrazioni diverse suonavano fianco a fianco molto prima che una simile convivenza fosse ampiamente accettata nella società americana. La storica Sherrie Tucker descrisse in seguito il gruppo come rappresentante di "femministe intersezionali in anticipo sui tempi… donne di colore e donne bianche, lesbiche ed etero, tutte che si amavano e lavoravano insieme senza sforzo."
Nonostante le barriere sociali che si trovarono ad affrontare, le Sweethearts si costruirono una solida reputazione musicale e contribuirono a dimostrare che le donne potevano suonare ai massimi livelli del jazz da big band. Cron apparve in seguito in documentari come International Sweethearts of Rhythm: America's Hottest All-Girl Band e The Girls in the Band, che esplorano la storia spesso trascurata delle donne nel jazz.
Jane Ira Bloom (nata nel 1955)Jane Ira Bloom è ampiamente riconosciuta come una delle sassofoniste soprano più originali del jazz moderno, celebrata per un tono lirico, un fraseggio molto personale e una voce compositiva audace che unisce improvvisazione e narrazione concettuale. Fin dai primi anni della sua carriera, Bloom si è costruita un'identità musicale ben distinta, concentrandosi soprattutto sul sassofono soprano in un'epoca in cui relativamente pochi musicisti jazz ne avevano fatto il proprio strumento principale.
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Il suo disco d'esordio, We Are (1978), un album in duo con il contrabbassista Kent McLagan, già rivelava la doppia natura di Bloom come compositrice e improvvisatrice, presentando diversi brani originali accanto a interpretazioni di repertorio classico. Con l'uscita del suo terzo album, Mighty Lights (1982), la sua voce artistica si era ormai definita con chiarezza. Quella registrazione, che vedeva la partecipazione di collaboratori come Charlie Haden, Ed Blackwell e Fred Hersch, consolidò ulteriormente la sua reputazione di musicista capace di bilanciare sensibilità lirica e idee armoniche esplorative. L'interpretazione di Bloom di "Lost in the Stars", di Kurt Weill e Maxwell Anderson, tratta da Mighty Lights, sarebbe poi diventata una delle scelte più apprezzate segnalate ne The Penguin Guide to Jazz.
Nel corso dei decenni Bloom ha proseguito una carriera segnata sia dall'innovazione artistica sia dal riconoscimento della critica. Ha ricevuto numerosi riconoscimenti, tra cui il Mary Lou Williams Women in Jazz Award alla carriera, sei premi della Jazz Journalists Association per il sassofono soprano e una vittoria al DownBeat International Critics Poll. La sua influenza va anche oltre l'attività dal vivo: ha insegnato in istituzioni come la New School for Jazz and Contemporary Music di New York, contribuendo a guidare le nuove generazioni di improvvisatori.
Bloom si è distinta anche per la sua volontà di esplorare la tecnologia e le idee interdisciplinari all'interno del jazz. Già negli anni '80 sperimentava l'elettronica insieme al proprio sassofono soprano, integrando nelle sue composizioni nastri, elaborazioni elettroniche, ensemble da camera e strumentazioni ampliate. La sua curiosità per il suono e la tecnologia l'ha infine portata a una straordinaria collaborazione con il NASA Art Program, che le commissionò musiche ispirate all'esplorazione spaziale. Le opere che ne sono nate uniscono improvvisazione jazz, texture elettroniche e idee tematiche legate al volo e al cosmo.
Nel corso della sua carriera Bloom ha spesso tratto ispirazione anche dalla letteratura e dalle immagini visive. Album come Art and Aviation esploravano i temi del volo e dell'aeronautica, mentre altre opere facevano riferimento alla poesia, compresi gli scritti di Emily Dickinson. Questa curiosità interdisciplinare è diventata una delle caratteristiche distintive della sua produzione artistica.
I contributi di Bloom al jazz sono stati riconosciuti non solo con premi, ma anche con riconoscimenti culturali. Un festival jazz di Brooklyn dedicato alle artiste d'avanguardia è stato chiamato Bloom Festival in suo onore e, in un tributo insolito, l'Unione Astronomica Internazionale ha dato il suo nome a un asteroide: 6083 Janeirabloom, un riconoscimento quanto mai adatto per una musicista la cui opera ha spesso superato i confini convenzionali del jazz.
Rosa King (1939–2000)Nata in Georgia nel 1939, Rosa King ha costruito una carriera internazionale come sassofonista tenore, nota per le sue esibizioni energiche, il tono potente e la presenza scenica carismatica. Cresciuta nel Sud degli Stati Uniti, è stata circondata dalla musica fin da piccola; uno dei suoi compagni di liceo era Richard Penniman, che sarebbe poi diventato famoso come il pioniere del rock and roll Little Richard. King si orientò infine verso il sassofono e sviluppò uno stile che mescolava un fraseggio di ispirazione blues con l'intensità espressiva dell'improvvisazione jazz.
Pur essendo americana di nascita, gran parte della carriera di King si è svolta in Europa, dove è diventata una figura amatissima della scena jazz e rhythm and blues, in particolare ad Amsterdam, che per lungo tempo è stata la sua base. Nel corso degli anni si è esibita e ha collaborato con artisti come Ben E. King, Cab Calloway, Eric Burdon e Sly Hampton, costruendosi la reputazione di interprete versatile, a proprio agio tra jazz, soul e rhythm and blues.
La fama internazionale di King crebbe notevolmente dopo una memorabile "battaglia" al sassofono tenore con Stan Getz al North Sea Jazz Festival del 1978, un incontro che mise in luce il suo suono audace e la sicurezza della sua presenza scenica. Nel corso della sua carriera avrebbe poi partecipato al festival numerose altre volte, esibendosi in totale dieci volte. Al di là del circuito dei festival, King fu presente anche nella cultura popolare, apparendo in programmi televisivi come Sesame Street, in vari show televisivi europei e nel film Comeback di Eric Burdon.
Oltre al suo lavoro di interprete, King ha svolto un ruolo importante come mentore per musicisti più giovani. Diverse carriere di rilievo sono nate nella sua band, tra cui quelle della sassofonista Candy Dulfer, della trombettista Saskia Laroo e del chitarrista Alex Britti. La sua influenza come bandleader e mentore ha contribuito a formare un'intera generazione di musicisti jazz e fusion europei.
Pur mantenendo legami con gli Stati Uniti, compresi periodi vissuti a New York, King è rimasta molto più conosciuta in Europa che nel suo paese d'origine. Ad Amsterdam e in tutta la scena jazz europea è diventata una presenza rispettata e carismatica, ricordata non solo per il suo talento musicale ma anche per la personalità vibrante che portava sul palco.
La sua carriera è proseguita fino agli ultimi anni della sua vita. Una delle sue ultime grandi apparizioni ebbe luogo in Italia, dove si riunì al chitarrista Alex Britti per un concerto trasmesso in televisione a livello nazionale davanti a quasi 100.000 persone. Rosa King si è spenta nel 2000, lasciando l'eredità di una delle sassofoniste americane più dinamiche ad aver costruito una carriera internazionale al di fuori degli Stati Uniti.
Se molte delle pioniere che hanno contribuito a plasmare la storia del sassofono sono emerse nel Novecento, un notevole gruppo di musiciste ha portato avanti quell'eredità fino ai giorni nostri. Negli ultimi due decenni, una nuova generazione di sassofoniste ha ampliato le possibilità espressive dello strumento costruendo al contempo carriere influenti nel jazz, nella musica popolare e nelle scene sperimentali. Queste artiste non sono solo tra le interpreti più interessanti in attività oggi, ma è molto probabile che vengano ricordate come voci fondamentali della loro epoca. Guardando al futuro, è emozionante immaginare come la loro musica, le loro collaborazioni e le loro innovazioni continueranno a plasmare il suono del sassofono negli anni a venire.
Tia FullerTia Fuller è una delle sassofoniste più apprezzate della sua generazione, nota per il virtuosismo al contralto, le composizioni dinamiche e la presenza scenica magnetica. Nata ad Aurora, in Colorado, nel 1976, Fuller ha iniziato il suo percorso musicale fin da piccola, studiando prima il flauto prima di adottare infine il sassofono come strumento principale. Ha seguito una formazione accademica allo Spelman College, dove ha conseguito una laurea in Musica, prima di completare un master in Pedagogia del Jazz all'Università del Colorado a Boulder. La carriera di Fuller ha acquisito visibilità internazionale quando è entrata a far parte della band di tournée interamente femminile di Beyoncé, ricoprendo il ruolo di sassofonista contralto principale e direttrice musicale in tournée mondiali. Accanto a questo lavoro, si è costruita una carriera apprezzata come bandleader jazz, pubblicando diversi album acclamati, tra cui Angelic Warrior e Diamond Cut, entrambi candidati ai Grammy. Il suo modo di suonare unisce il linguaggio del jazz tradizionale a idee ritmiche e armoniche contemporanee, e la sua arte ha trovato spazio anche nella cultura popolare quando è stata l'ispirazione musicale per il personaggio di Dorothea Williams nel film d'animazione Pixar Soul.
Melissa AldanaMelissa Aldana, oggi basata a New York, si è affermata come una delle sassofoniste tenore più importanti della scena jazz contemporanea. Nata in Cile nel 1988 in una famiglia di musicisti, si è trasferita a Boston nel 2006 per studiare al Berklee College of Music prima di affermarsi nella comunità jazz newyorkese. Aldana ha ottenuto riconoscimento internazionale nel 2013, quando è diventata la prima donna a vincere il prestigioso Thelonious Monk International Jazz Saxophone Competition. Il suo modo di suonare è spesso apprezzato per il tono ricco e l'approccio lirico, che trae ispirazione da maestri del post-bop come Wayne Shorter e Joe Henderson pur mantenendo una voce compositiva decisamente moderna. Il suo album Visions (2019) ha ottenuto una candidatura ai Grammy per il miglior assolo jazz improvvisato, e i suoi lavori più recenti continuano a esplorare una narrazione espressiva attraverso la composizione jazz, tra cui Filin, pubblicato nel 2026 e ispirato alla tradizione cubana del filin, influenzata dal bolero della metà del Novecento.
Lakecia BenjaminLakecia Benjamin rappresenta un'altra voce potente del jazz contemporaneo. Sassofonista contralto di base a New York, Benjamin ha sviluppato il proprio suono sotto la guida del leggendario contraltista Gary Bartz e porta avanti la tradizione degli stilisti al contralto espressivi e pieni di energia. Il suo lavoro fa da ponte tra più mondi musicali, dall'improvvisazione jazz alle influenze funk, soul e hip-hop. Nel corso degli anni ha collaborato con artisti come Missy Elliott, Alicia Keys e Stevie Wonder, dimostrando la propria versatilità sia come solista jazz sia come interprete crossover. Gli album di Benjamin Phoenix e Phoenix Reimagined hanno ricevuto molteplici candidature ai Grammy e sono stati ampiamente apprezzati dalla critica. È stata inoltre premiata come "Up and Coming Artist of the Year" dalla Jazz Journalists Association e come Rising Star Alto Saxophonist nel DownBeat Critics Poll.
Camille ThurmanCamille Thurman è sassofonista tenore, cantante, compositrice e bandleader, e la sua carriera riflette una gamma impressionante di doti musicali. Nata nel Queens, a New York, nel 1986, Thurman ha iniziato a esibirsi fin da giovanissima e ha infine scelto il sassofono tenore come strumento principale. La sua carriera ha raggiunto una svolta storica nel 2018, quando è diventata la prima donna in oltre trent'anni a girare in tournée e suonare a tempo pieno con la Jazz at Lincoln Center Orchestra diretta da Wynton Marsalis. Nel corso della sua carriera, Thurman ha ricevuto numerosi riconoscimenti, tra cui candidature nel DownBeat Critics Poll come Rising Star Tenor Saxophonist e Vocalist, una candidatura al NAACP Image Award per il miglior album jazz e l'ASCAP Herb Alpert Young Jazz Composer Award. Oltre alla sua carriera da interprete, è stata attiva come educatrice e mentore. Nel 2020 ha fondato The Haven Hang, un'iniziativa di mentorship pensata per sostenere e guidare le giovani donne che intraprendono una carriera nella musica e nelle arti performative.
