A lo largo del siglo XX, el saxofón en las bandas sonoras de las películas llegó a asociarse con un conjunto bastante fijo de significados, a menudo suave o azulado, y regularmente vinculado al crimen, la seducción, la vida nocturna urbana, los ojos privados, las mujeres fatales y la fanfarronería cómica. Este artículo examina la historia del saxofón en las bandas sonoras cinematográficas, desde sus primeros usos, pasando por su apogeo, hasta el periodo en que empezó a perder popularidad, antes de pasar a ejemplos más recientes que sugieren hacia dónde podría dirigirse. Este artículo examinaHollywood y las producciones norteamericanas, porque es allí donde muchas de las asociaciones se construyeron, se repitieron y se hicieron legibles para el público masivo a lo largo de las décadas.
El paisaje del siglo XX
A lo largo del siglo XX, el saxofón se hizo útil en el cine porque podía sugerir al instante un conjunto reconocible de significados, como la vida nocturna urbana, la intimidad emocional, la ambigüedad moral, la sensualidad y las actividades ilícitas, y una vez que esas asociaciones se hicieron familiares para el público, los compositores podían confiar en ellas para comunicar el estado de ánimo, el carácter y el escenario con muy poco material.
Dicho esto, su uso nunca fuelimitadoa un género o a un estado de ánimo. Sin duda, uno de los primeros usos del saxofón alto solista en el subrayado de películas fue enEl Informador de 1935, dirigida por John Ford con música de Max Steiner, en la que se utiliza el contralto en el tema de Katie, una prostituta y novia del protagonista, y el sonido es lento, melancólico y menor. Sin embargo, alrededor delmismo El instrumento también aparecía en dibujos animados como los de Walt Disney.Music Land de 1935, en dramas históricos comoCapitán Bloody en comedias como la de Charlie ChaplinTiempos modernospor lo que el saxofón ya demostró desde el principio su alcance.
Durante la época del Hollywood clásico (o Edad de Oro), el saxofón solía emitir un dulce sonido de la era del swing, modelado por intérpretes como Benny Carter, Jimmy Dorsey y Johnny Hodges, y que puede escucharse en partituras como el tema Fred and Peggy de Hugo Friedhofer en Los mejores años de nuestra vida (1946)la música de Alex North detrás de Marlon Brando enUn tranvía llamado deseo (1951), y el tema de David Raksin para Kirk Douglas en Lo malo y lo bello de 1952. En estos casos, el instrumento ayuda a que el aire emocional se sienta más cercano,más cálido... más privado, y esas cualidades se estirarían y se tirarían para definir gran parte de su vida posterior en la pantalla. Primero en el cine negro, el melodrama y las películas de delincuencia urbana, y finalmente en la codificación más exagerada de sex symbol de los años ochenta y noventa.
La reputación del saxofón comoelEl sonido del cine negro es, en realidad, más complicado de lo que parece. David Butler, escritor musical, argumenta en su libro Jazz Noir, que la fuerte conexión entre el cine negro y el saxofón es en parte una ilusión retrospectiva, ya que muy pocos noirs de los años cuarenta incluían realmente el saxofón como banda sonora, y sólo alrededor del treinta por ciento lo hacía en los años cincuenta, por lo que no era ni mucho menos tan universal como sugiere la memoria posterior. Aun así, la asociación creció, en parte gracias a películas comoTensiónde 1949, donde André Previn dio a la femme fatale Audrey Totter un tema de contralto, y después, de forma mucho más decisiva, a través detelevisióna finales de los años 50, donde programas comoPeter Gunn, Escuadrón MyJohnny Staccato hizo que el jazz, y especialmente el jazz dirigido por el saxofón, se sintiera como el sonido natural de detectives, gángsters, calles sombrías de la ciudad y trajes limpios que escondían algo sucio debajo. El argumento de Butler es útil en este caso, porque cuando ese estilo llegó con regularidad a la pequeña pantalla, se había convertido en un bucle: el jazz se adaptaba a las series policíacas, las series policíacas reforzaban el jazz, y el saxofón en medio.
Ese bucle se vio apoyado por el estatus social del jazz en la América de mediados de siglo, porque en los años 40 y 50, el jazz seguía siendo ampliamente tratado como algo de mala reputación, vinculado en el imaginario público a clubes, bares, músicos negros, consumo de drogas y zonas más sórdidas de la ciudad, por lo que una vez que el cine empezó a reforzar su presencia musical en esos espacios, el saxofón estaría naturalmente cargado de implicaciones. No necesitaba dar explicaciones. Podía simplemente entrar y decirte dónde estabas, a qué tipo de persona estabas mirando o qué tipo de problema se estaba gestando.
Otra figura clave fue el compositor alemán Franz Waxman, que al trasladarse a Hollywood se convirtió en uno de los defensores más importantes (y populares) del saxofón alto solista en la composición de estudio. Su trabajo en películas como Historias de Filadelfia, Sunset Boulevard, Un lugar en el sol, La ventana indiscreta, Mister RobertsyDelincuencia en las calles reforzaron aún más el lugar del instrumento en el lenguaje cinematográfico dominante, ya sea como melancolía, glamour, peligro o desliz moral.
John Littlejohn y otros durante una actuación, fotografiados para Arhoolie Records, Chicago, Illinois, noviembre de 1968.
Parte de la razón por la que el saxofón sobrevivió tan bien a las películas policíacas, de espías y de cabriolas de los años setenta en adelante, es porque sus antiguos significados aún tenían recorrido en géneros adyacentes. Películas comoLos tres días del cóndor (1975), El cielo puede esperar (1978), Adiós, mi amor (1975),y más tardeEl calor del cuerpo (1981) todos se basaron enalgunosdel vocabulario, y en muchos de ellos el dulce contralto de Ronny Lang en particular se convirtió en un sonido definitorio.Taxi Driver (1976),por ejemplo, sigue siendo uno de los ejemplos más claros de lo que el saxofón de banda sonora puede hacer en el cine norteamericano, porque Bernard Herrmann lo utiliza para, sí, evocar la vida nocturna de la ciudad de Nueva York y la corrupción en un sentido amplio, pero también para profundizar en el aislamiento y el descenso del protagonista Travis Bickle, de modo que el instrumento se convierte en parte de la atmósfera psicológica de la película sin dejar de estar firmemente dentro del linaje del crimen negro.
En las décadas de 1980 y 1990, el saxofón había adquirido un significado cultural aún más fijo, lo que lo hacía potente pero también cada vez más.vulnerable. Podría seguir significando crimen, acción, seducción, vida nocturna urbana y películas y franquicias gigantes comoArma letal hizo un gran uso de ella, pero también se estaba convirtiendo en el instrumento deexagerada frialdad adultade escenas de sexo, de rebeldía lustrosa, de fanfarronería televisiva. Las canciones pop, las películas, las introducciones televisivas e incluso las parodias reforzaron los mismos pocos significados. 
St. Elmo's Fire (1985), Better Off Dead (1985), Moscow on the Hudson (1984)
La reducción de sus significados en las bandas sonoras de películas durante los años 80 y 90 es lo que hace especialmente interesantes algunos ejemplos atípicos de este periodo de auge. EnCrímenes del corazónde 1986, el instrumento sigue siendo portador de ideas de sensualidad y rebeldía, pero también de control femenino y autoafirmación, mientras que enCarretera perdida de 1997, a través de la participación de Barry Adamson y Trent Reznor, el saxofón se utiliza de una manera abrasiva, más libre, más avant leaning que se siente como una advertencia lejana de donde las cosas podrían.finalmenteVamos.
Caer en desgracia
En la década de 2000, el saxofón empezaba a sentirse históricamente superado. Atrápame si puedes de 2002 es un buen ejemplo de que el instrumento se sigue utilizando con eficacia en una gran producción norteamericana, y tiene sentido que John Williams triunfara con él, porque la película sigue estando cerca de territorio antiguo (y también esJohn Williams,compositor estadounidense históricamente legendario). Se trata de una comedia policíaca, llena de persecuciones, encanto, superficies, engaños y movimiento, por lo que el saxofón encaja perfectamente en el linaje y, como señaló James Berardinelli, la partitura es más íntima y jazzística que el material habitual de Williams, evocando intencionadamente al saxofonista Henry Mancini. En aquel momento, utilizar el saxofón significaba a menudo remontarse a una época anterior de la música de cine.
Los compositores que trabajan en el cine convencional quieren sonar cada vez más actuales que retro, y el saxofón, al menos en su forma clásica de banda sonora, había empezado a parecer un marcador de época. Podía interpretarse como algo anticuado, del mismo modo que los solos de guitarra, las secuencias de montaje o los intentos de revivir el pasado.nu metal (¡sólo puede ser nuevo una vez!) puede definir instantáneamente una obra como anacrónica, se quiera o no.
Otra razón es que han cambiado las prioridades de la música convencional. En las últimas décadas, la música de las películas de Hollywood a gran escala ha sido moldeada en gran medida por compositores como Hans Zimmer, Alexandre Desplat, Thomas Newman y John Williams, todos ellos trabajando en relación con la larga tradición orquestal de la era de los estudios, pero con un mayor énfasis en la textura, la propulsión, la escala, el pulso y la capacidad de respuesta a la escena que en el tipo de tema instrumental memorable que una vez dio al saxofón tanto espacio para entrar y anunciarse. Las partituras contemplaban cada vez más lo que ocurría en la pantalla de forma precisa, en lugar de apoyarse tan a menudo en identidades melódicas recurrentes distintivas. En ese entorno, el saxofón clásico de las bandas sonoras, que suele llegar con una personalidad bastante clara, podía parecer demasiado declarativo.
También está el hecho de que, en la década de 2010, el instrumento se había vuelto fácil de parodiar.Parques y actividades recreativas tenía a Duke Silver como chiste recurrente, "Sexy Sax Man" se convirtió en un acto viral, y los sketches cómicos podían convocar al saxofón como taquigrafía de seducción maldita o masculinidad ridícula casi al instante.
Jon Hamm (2013) parodiando "I Still Believe" (1987) de Los niños perdidos en SNL.
Hacia dónde puede ir
Los ejemplos más recientes a los que merece la pena prestar atención evitan la clásica personalidad del saxofón de banda sonora y, en su lugar, tratan el instrumento como un material inestable, algo que distorsionar, estirar, mezclar, desbastar o esconder parcialmente.
TomaHereditariode 2018. La puntuación de Colin Stetson es importante aquí, aunque también es importante decir que no essólosaxofón, ya que el mundo sonoro incluye clarinete contrabajo, clarinete bajo, saxofón bajo, saxofón soprano y voz. Aun así, Colin utiliza el saxofón y técnicas como los tonos divididos, la respiración circular, la distorsión del micrófono de garganta y las texturas gruñidoras para convertir sus instrumentos de viento madera (así como su voz) en algo opresivo y antinatural. Como ha explicado en otra parte, algunos de los ominosos zumbidos que suenan a sintetizador son en realidad instrumentos de viento bajos, y algunos de los sonidos que el público podría tomar por cuerdas son en realidad instrumentos de viento altos y saxofones sopranos. Cuando la banda sonora llega a Reborn, el penúltimo tema de la película, el saxofón se sitúa dentro de los zumbidos y la oscuridad de una forma que está muy lejos del noir o el erotismo cool. Es claustrofóbico, aterrador y abrumador.
Un avance similar ocurre en Spider Man A través del verso arácnido de 2023, especialmente en el Spider Man 2099 Theme, donde el saxofón suena fuerte, distorsionado, feo y agresivo. ¡Más aterrador que seductor!
Luego estáEl Brutalistade 2024, un drama épico de época estrenado por A24, el estudio estrechamente asociado con el cine más aventurero, inclinado al arte y psicológicamente emocionante de los últimos años. Su partitura, en la que participa el saxofonista Evan Parker, se inclina hacia la música clásica electroacústica, combinando el sonido instrumental orgánico con la manipulación electrónica de un modo que aleja al saxofón de sus antiguas funciones hollywoodienses. Aquí, el instrumento no lleva el bagaje habitual del cine negro, la seducción o la moda urbana, y se utiliza para que la banda sonora resulte más extraña, claustrofóbica e inestable. Esto apunta a un cambio más amplio en la forma en que el saxofón se utiliza ahora en la pantalla, menos como una señal temática limpia en elantiguoHollywood, y más como parte de un mundo sonoro tenso, expresivo y a menudo inquietante.
No necesariamente como el sonido dominante de un género, ni aún como parte de un nuevo lenguaje estable de la pantalla, sino como algo a lo que los cineastas y compositores pueden recurrir cuando quieren fricción, tensión, densidad psíquica, distorsión o una voz que se siente corporal sin sentirse tranquilizadora. La manipulación electrónica refleja el auge de los lenguajes mediáticos experimentales, abriendo un espacio para que el saxofón se despoje (o al menos complique) sus antiguos significados del siglo XX.
