Ein Großteil der Geschichte des Saxophons im 20. Jahrhundert wurde oft anhand einer vertrauten Riege überwiegend männlicher Namen erzählt, doch die Geschichte des Instruments wurde ebenso tiefgreifend von Frauen geprägt, deren Beiträge mitunter unterschätzt oder übersehen wurden. Von der Ära der Big Bands und dem Aufstieg des modernen Jazz bis hin zu den grenzüberschreitenden Improvisatorinnen und Komponistinnen von heute haben amerikanische Saxophonistinnen eine wichtige Rolle dabei gespielt, den Klang, die Aussagekraft und die Möglichkeiten des Instruments zu erweitern und damit sowohl seine Ausdruckskraft als auch seinen Platz in der Musiklandschaft insgesamt zu vergrößern.
Dieser Artikel wirft einen Blick auf einige dieser Stimmen über mehrere Generationen und musikalische Kontexte hinweg. Er versammelt einige der frühen Pionierinnen, deren Arbeit vielen nachfolgenden Musikerinnen die Tür geöffnet hat, ebenso wie mehrere zeitgenössische Künstlerinnen, die diesen Geist bis heute weitertragen. Betrachten Sie ihn als eine kurze Reise durch eine Reihe amerikanischer Saxophonistinnen, deren Können, Einfluss und Eigenständigkeit Aufmerksamkeit verdienen – und vor allem verdienen, genauer gehört zu werden!
Vi Redd (geb. 1928 – 2022)Vi Redd zählt zu den ersten Frauen, die sich als bedeutende Solistin am Jazzsaxophon etablierten. Sie wurde 1928 in Los Angeles geboren und wuchs in einem zutiefst musikalischen Umfeld auf: Ihr Vater war der Schlagzeuger Alton Redd, ein Musiker aus New Orleans, der den legendären Clef Club mitbegründete und in der lebendigen Jazzszene der Central Avenue aktiv war. Dieses Umfeld brachte sie schon früh mit vielen großen Namen des Jazz in Berührung, und sie entwickelte schließlich einen Altsaxophon-Stil, der stark von Charlie „Bird“ Parker und der Bebop-Tradition geprägt war.
In den 1950er- und 60er-Jahren trat Redd gemeinsam mit großen Jazzgrößen wie Count Basie, Max Roach, Earl Hines und Dizzy Gillespie auf und etablierte sich als geachtete Solistin – zu einer Zeit, in der Instrumentalistinnen im professionellen Jazz noch selten waren. Ihr Spiel wurde oft als weicher Ton in Verbindung mit einem hellen, mühelosen Swing beschrieben, mit einer Phrasierung, die schnelle Akkordfolgen souverän meisterte und dabei stets ein starkes rhythmisches Gefühl bewahrte.
Anfang der 1960er-Jahre war sie zu einer festen Größe der Jazzszene von Los Angeles geworden und trat wöchentlich an Orten wie dem Red Carpet Jazz Club auf, wo sie ihr Saxophonspiel mit bluesgeprägten Gesangseinlagen verband. Als Redd 1962 mit ihrer eigenen Band beim Las Vegas Jazz Festival auftrat, bezeichnete die Los Angeles Sentinel dies als bedeutenden Moment der Jazzgeschichte und schrieb: „Eine weitere Premiere für das Las-Vegas-Festival … denn Vi Redd wird die erste Frau, die als instrumentaler Headliner bei einem Jazzfestival auftritt. Tatsächlich dürfte Miss Redd die erste Bläserin in der Geschichte des Jazz sein, die sich als bedeutende Solistin etabliert.“
Als Bandleaderin nahm Redd zwei Alben auf, Bird Call und Lady Soul, die beide ihren ausdrucksstarken Altklang und ihr melodisches Gespür unterstreichen. Auch wenn ihre Diskografie vergleichsweise klein blieb, wurde ihr Einfluss als Musikerin breit anerkannt. Ab den 1970er-Jahren widmete sie einen Großteil ihrer Karriere der Lehre, unterrichtete an der University of Southern California und wirkte in Beratungsgremien des National Endowment for the Arts mit, um die nächste Generation von Jazzmusikern zu fördern und zu begleiten.
Roz Cron (1925–2021)Roz Cron war Altsaxophonistin und Mitglied der International Sweethearts of Rhythm, der bahnbrechenden reinen Frauen-Bigband, die während des Zweiten Weltkriegs internationale Popularität erlangte. Zu einer Zeit, als Instrumentalistinnen im Jazz kaum ernst genommen wurden, bewiesen die Sweethearts das Gegenteil. Wie es der Bassist und Historiker Christian McBride später formulierte: „Sie waren wahrscheinlich die erste reine Frauenband, die ernst genommen wurde.“
Das Ensemble war zudem eine der ersten rassisch gemischten Jazzbands der Vereinigten Staaten und ging trotz der Rassentrennungsgesetze im amerikanischen Süden ausgedehnt auf Tournee. Gemeinsam zu reisen bedeutete oft, sich realer Gefahr auszusetzen. Cron, die im Norden der USA aufgewachsen war, erinnerte sich später daran, wie erschütternd diese Realitäten für sie waren: „Von den Jim-Crow-Gesetzen hatte ich noch nie gehört … und wir waren auf dem Weg direkt in den tiefen Süden.“ Die Bandmitglieder mussten sich sogar Geschichten ausdenken, um einer Verhaftung nach den Rassentrennungsgesetzen zu entgehen. Cron erinnerte sich, dass ihr aufgetragen worden war, bei Nachfragen ihre Identität zu erklären: „Ich habe mir die Geschichte ausgedacht, dass mein Vater weiß und meine Mutter schwarz war.“
Cron führte ihren unabhängigen Geist oft auf ihre Erziehung zurück und bemerkte einmal: „Mein Vater war der erste Feminist, den ich kannte.“ Innerhalb der Sweethearts spielten Musikerinnen unterschiedlichster Herkunft Seite an Seite – lange bevor eine solche Zusammenarbeit in der amerikanischen Gesellschaft weithin akzeptiert war. Die Historikerin Sherrie Tucker beschrieb die Gruppe später als „intersektionale Feministinnen, ihrer Zeit voraus … Frauen of Color und weiße Frauen, lesbisch und heterosexuell, die einander liebten und mühelos zusammenarbeiteten.“
Trotz der gesellschaftlichen Hürden, denen sie begegneten, erwarben sich die Sweethearts einen beachtlichen Ruf als Musikerinnen und trugen dazu bei zu zeigen, dass Frauen auf höchstem Niveau Big-Band-Jazz spielen konnten. Cron trat später in Dokumentarfilmen wie International Sweethearts of Rhythm: America's Hottest All-Girl Band und The Girls in the Band auf, die sich mit der oft übersehenen Geschichte von Frauen im Jazz befassen.
Jane Ira Bloom (geb. 1955)Jane Ira Bloom gilt weithin als eine der eigenständigsten Sopransaxophonistinnen des modernen Jazz. Sie wird für ihren lyrischen Ton, ihre sehr persönliche Phrasierung und ihre abenteuerlustige kompositorische Stimme gefeiert, die Improvisation mit konzeptuellem Erzählen verbindet. Schon zu Beginn ihrer Karriere entwickelte Bloom eine musikalische Identität, die sich klar abhob, indem sie sich vor allem auf das Sopransaxophon konzentrierte – zu einer Zeit, in der es nur wenige Jazzmusiker zu ihrem Hauptinstrument gemacht hatten.
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Ihre erste Aufnahme, We Are (1978), ein Duo-Album mit dem Bassisten Kent McLagan, offenbarte bereits Blooms doppelte Stärke als Komponistin und Improvisatorin und enthielt neben eigenen Kompositionen auch Interpretationen klassischen Repertoires. Mit der Veröffentlichung ihres dritten Albums, Mighty Lights (1982), hatte sich ihre künstlerische Stimme klar herausgebildet. Diese Aufnahme, an der unter anderem Charlie Haden, Ed Blackwell und Fred Hersch mitwirkten, festigte ihren Ruf als Musikerin, die lyrische Sensibilität mit forschenden harmonischen Ideen zu verbinden weiß. Blooms Interpretation von Kurt Weills und Maxwell Andersons „Lost in the Stars“ aus Mighty Lights wurde später zu einer der herausragenden Auswahlen in The Penguin Guide to Jazz.
Über die Jahrzehnte hinweg hat Bloom eine Karriere fortgeführt, die von künstlerischer Innovation ebenso geprägt ist wie von kritischer Anerkennung. Sie erhielt zahlreiche Auszeichnungen, darunter den Mary Lou Williams Women in Jazz Award für ihr Lebenswerk, sechs Auszeichnungen der Jazz Journalists Association für Sopransaxophon sowie einen Sieg beim DownBeat International Critics Poll. Ihr Einfluss reicht auch über das eigene Spiel hinaus: Sie unterrichtete an Institutionen wie der New School for Jazz and Contemporary Music in New York City und half so, jüngere Generationen von Improvisatoren zu fördern.
Bloom zeichnete sich zudem durch ihre Bereitschaft aus, Technologie und interdisziplinäre Ansätze im Jazz zu erkunden. Bereits in den 1980er-Jahren experimentierte sie mit Elektronik in Kombination mit ihrem Sopransaxophon und band Tonband, elektronische Klangbearbeitung, Kammerensembles und erweiterte Instrumentierung in ihre Kompositionen ein. Ihre Neugier auf Klang und Technologie führte schließlich zu einer bemerkenswerten Zusammenarbeit mit dem NASA Art Program, das sie beauftragte, von der Weltraumforschung inspirierte Musik zu schaffen. Die daraus entstandenen Werke verbinden Jazzimprovisation mit elektronischen Klangtexturen und thematischen Ideen rund um Flug und Kosmos.
Während ihrer gesamten Karriere ließ sich Bloom auch häufig von Literatur und visuellen Bildern inspirieren. Alben wie Art and Aviation griffen die Themen Flug und Luftfahrt auf, während andere Werke sich auf Poesie bezogen, etwa auf die Schriften von Emily Dickinson. Diese fachübergreifende Neugier ist zu einem der prägenden Merkmale ihres künstlerischen Schaffens geworden.
Blooms Beiträge zum Jazz wurden nicht nur durch Auszeichnungen, sondern auch durch kulturelle Würdigung anerkannt. Ein in Brooklyn ansässiges Jazzfestival, das sich innovativen Künstlerinnen widmet, wurde ihr zu Ehren Bloom Festival genannt, und in einer ungewöhnlichen Geste benannte die Internationale Astronomische Union einen Asteroiden nach ihr: 6083 Janeirabloom – eine passende Würdigung für eine Musikerin, deren Werk oft weit über die konventionellen Grenzen des Jazz hinausreicht.
Rosa King (1939–2000)Rosa King wurde 1939 in Georgia geboren und machte sich international einen Namen als Tenorsaxophonistin, bekannt für ihre energiegeladenen Auftritte, ihren kraftvollen Ton und ihre charismatische Bühnenpräsenz. Sie wuchs im amerikanischen Süden auf und war schon früh von Musik umgeben; einer ihrer Schulfreunde war Richard Penniman, der später als Rock’n’Roll-Pionier Little Richard berühmt wurde. King wandte sich schließlich dem Saxophon zu und entwickelte einen Stil, der bluesgeprägte Phrasierung mit der ausdrucksstarken Intensität der Jazzimprovisation verband.
Obwohl gebürtige Amerikanerin, verbrachte King einen Großteil ihrer Karriere in Europa, wo sie zu einer beliebten Figur der Jazz- und Rhythm-and-Blues-Szene wurde – insbesondere in Amsterdam, das über viele Jahre ihre Heimatbasis war. Im Laufe der Jahre trat sie mit Künstlern wie Ben E. King, Cab Calloway, Eric Burdon und Sly Hampton auf und arbeitete mit ihnen zusammen, wodurch sie sich den Ruf einer vielseitigen Musikerin erwarb, die sich mühelos zwischen Jazz, Soul und Rhythm and Blues bewegte.
Kings internationaler Ruf wuchs deutlich nach einem denkwürdigen Tenorsaxophon-„Duell“ mit Stan Getz beim North Sea Jazz Festival 1978 – einer Begegnung, die ihren kühnen Klang und ihre selbstbewusste Bühnenpräsenz unterstrich. Im weiteren Verlauf ihrer Karriere trat sie noch zahlreiche weitere Male bei diesem Festival auf, insgesamt zehnmal. Über die Festivalbühnen hinaus war King auch im Fernsehen präsent, etwa in Sesame Street, in verschiedenen europäischen Fernsehshows sowie in Eric Burdons Film Comeback.
Neben ihrer Arbeit als Musikerin übernahm King eine wichtige Mentorenrolle für jüngere Musiker. Mehrere bemerkenswerte Karrieren begannen in ihrer Band, darunter die der Saxophonistin Candy Dulfer, der Trompeterin Saskia Laroo und des Gitarristen Alex Britti. Ihr Einfluss als Bandleaderin und Mentorin prägte eine ganze Generation europäischer Jazz- und Fusion-Musiker.
Obwohl sie Verbindungen zu den USA aufrechterhielt, unter anderem mit Lebensabschnitten in New York City, blieb King in Europa weitaus bekannter als in ihrer Heimat. In Amsterdam und in der gesamten europäischen Jazzszene wurde sie zu einer geachteten und charismatischen Persönlichkeit – in Erinnerung nicht nur wegen ihres musikalischen Könnens, sondern auch wegen der lebendigen Persönlichkeit, die sie auf die Bühne brachte.
Ihre Karriere setzte sich bis in ihre letzten Lebensjahre fort. Einer ihrer letzten großen Auftritte fand in Italien statt, wo sie mit dem Gitarristen Alex Britti bei einem landesweit ausgestrahlten Konzert vor fast 100.000 Menschen wieder zusammentraf. Rosa King verstarb im Jahr 2000 und hinterließ das Vermächtnis einer der dynamischsten amerikanischen Saxophonistinnen, die außerhalb der USA eine internationale Karriere aufgebaut hat.
Während viele der Pionierinnen, die die Geschichte des Saxophons mitgeprägt haben, im 20. Jahrhundert in Erscheinung traten, führt eine bemerkenswerte Gruppe von Musikerinnen dieses Erbe bis in die Gegenwart fort. In den vergangenen zwei Jahrzehnten hat eine neue Generation von Saxophonistinnen die Ausdrucksmöglichkeiten des Instruments erweitert und zugleich einflussreiche Karrieren in Jazz, Popmusik und experimentellen Szenen aufgebaut. Diese Künstlerinnen zählen nicht nur zu den fesselndsten Musikerinnen der Gegenwart, sondern werden sehr wahrscheinlich auch als prägende Stimmen ihrer Generation in Erinnerung bleiben. Es ist spannend, sich vorzustellen, wie ihre Musik, ihre Kollaborationen und ihre Innovationen den Klang des Saxophons auch in den kommenden Jahren weiter prägen werden.
Tia FullerTia Fuller ist eine der bekanntesten Saxophonistinnen ihrer Generation, bekannt für ihr virtuoses Altsaxophonspiel, ihre dynamischen Kompositionen und ihre eindrucksvolle Bühnenpräsenz. Fuller wurde 1976 in Aurora, Colorado, geboren und begann schon früh mit der Musik – zunächst studierte sie Querflöte, bevor sie das Saxophon zu ihrem Hauptinstrument machte. Sie absolvierte eine formale Ausbildung am Spelman College, wo sie einen Bachelor of Arts in Musik erwarb, und schloss anschließend einen Master in Jazzpädagogik an der University of Colorado Boulder ab. Fullers Karriere gewann internationale Sichtbarkeit, als sie Beyoncés reiner Frauen-Tourband beitrat und dort als leitende Altsaxophonistin und musikalische Leiterin auf Welttourneen fungierte. Neben dieser Arbeit hat sie sich eine angesehene Karriere als Jazz-Bandleaderin aufgebaut und mehrere hochgelobte Alben veröffentlicht, darunter Angelic Warrior und Diamond Cut, die beide für einen Grammy nominiert wurden. Ihr Spiel verbindet die Sprache des traditionellen Jazz mit zeitgenössischen rhythmischen und harmonischen Ideen, und ihre Kunstfertigkeit fand sogar Eingang in die Popkultur, als sie als musikalische Inspiration für die Figur Dorothea Williams in Pixars Animationsfilm Soul diente.
Melissa AldanaMelissa Aldana, die heute in New York lebt, hat sich zu einer der bedeutendsten Tenorsaxophonistinnen der zeitgenössischen Jazzszene entwickelt. Sie wurde 1988 in Chile in eine Musikerfamilie geboren, zog 2006 nach Boston, um am Berklee College of Music zu studieren, und etablierte sich anschließend in der New Yorker Jazzszene. 2013 erlangte Aldana internationale Anerkennung, als sie als erste Frau den renommierten Thelonious Monk International Jazz Saxophone Competition gewann. Ihr Spiel wird oft für seinen satten Ton und ihre lyrische Herangehensweise gelobt, inspiriert von Post-Bop-Meistern wie Wayne Shorter und Joe Henderson, während sie zugleich eine unverkennbar moderne kompositorische Stimme bewahrt. Ihr Album Visions (2019) erhielt eine Grammy-Nominierung für das beste improvisierte Jazz-Solo, und ihre jüngeren Arbeiten erkunden weiterhin ausdrucksstarkes Erzählen durch Jazzkompositionen, darunter ihr 2026 erschienenes Album Filin, inspiriert von der kubanischen, vom Bolero geprägten Filin-Tradition der Mitte des 20. Jahrhunderts.
Lakecia BenjaminLakecia Benjamin verkörpert eine weitere kraftvolle Stimme des zeitgenössischen Jazz. Die in New York ansässige Altsaxophonistin entwickelte ihren Klang unter der Mentorschaft des legendären Altsaxophonisten Gary Bartz und führt die Tradition ausdrucksstarker, energiegeladener Altsaxophon-Stilisten fort. Ihr Schaffen verbindet mehrere musikalische Welten, von der Jazzimprovisation bis zu Funk-, Soul- und Hip-Hop-Einflüssen. Im Laufe der Jahre arbeitete sie mit Künstlern wie Missy Elliott, Alicia Keys und Stevie Wonder zusammen und bewies damit ihre Vielseitigkeit als Jazzsolistin und Crossover-Künstlerin. Benjamins Alben Phoenix und Phoenix Reimagined erhielten mehrere Grammy-Nominierungen und wurden breit gelobt. Zudem wurde sie von der Jazz Journalists Association als „Up and Coming Artist of the Year“ ausgezeichnet und im DownBeat Critics Poll als Rising Star Alto Saxophonist geführt.
Camille ThurmanCamille Thurman ist Tenorsaxophonistin, Sängerin, Komponistin und Bandleaderin, deren Karriere ein beeindruckendes Spektrum musikalischer Fähigkeiten widerspiegelt. Geboren 1986 in Queens, New York, begann Thurman schon früh aufzutreten und machte das Tenorsaxophon schließlich zu ihrem Hauptinstrument. Ihre Karriere erreichte 2018 einen historischen Meilenstein, als sie als erste Frau seit mehr als dreißig Jahren mit dem von Wynton Marsalis geleiteten Jazz at Lincoln Center Orchestra auf Tournee ging und dort in Vollzeit spielte. Thurman erhielt im Laufe ihrer Karriere zahlreiche Auszeichnungen, darunter Nominierungen beim DownBeat Critics Poll als Rising Star Tenor Saxophonist und als Vocalist, eine Nominierung für den NAACP Image Award für das herausragende Jazzalbum sowie den ASCAP Herb Alpert Young Jazz Composer Award. Neben ihrer Laufbahn als Musikerin ist sie auch als Pädagogin und Mentorin aktiv. 2020 gründete sie The Haven Hang, eine Mentoring-Initiative, die junge Frauen auf ihrem Weg zu einer Karriere in Musik und darstellender Kunst unterstützt und begleitet.
