Durante gran parte del siglo XX, la historia del saxofón se ha contado a menudo a través de un elenco de nombres familiares, en su mayoría masculinos, aunque la historia del instrumento también ha sido moldeada de forma profunda y significativa por mujeres cuyas contribuciones a veces se han subestimado o pasado por alto. Desde la era de las big bands y el auge del jazz moderno hasta las improvisadoras y compositoras actuales que rompen fronteras, las saxofonistas estadounidenses han desempeñado un papel importante a la hora de ampliar lo que el instrumento puede sonar, decir y hacer, contribuyendo a ensanchar tanto sus posibilidades expresivas como su lugar dentro del panorama musical en general.
Este artículo recorre algunas de esas voces a través de distintas generaciones y contextos musicales, reuniendo a algunas de las primeras pioneras cuyo trabajo ayudó a abrir puertas a quienes las siguieron, junto a varias intérpretes contemporáneas que hoy continúan con ese espíritu. Piénsalo como un breve recorrido por un linaje de saxofonistas estadounidenses cuyo arte, influencia e individualidad merecen atención y, quizá más importante aún, merecen escucharse con más atención.
Vi Redd (n. 1928 - 2022)Vi Redd es una de las primeras mujeres en consolidarse como gran solista de saxofón en el jazz. Nacida en Los Ángeles en 1928 y criada en un entorno profundamente musical, era hija del batería Alton Redd, músico de Nueva Orleans cofundador del legendario Clef Club y presente en la vibrante escena jazzística de Central Avenue. Crecer en ese entorno la puso en contacto, desde muy joven, con muchas grandes figuras del jazz, y acabó desarrollando un estilo al saxofón alto fuertemente influido por Charlie «Bird» Parker y la tradición del bebop.
Durante las décadas de 1950 y 1960, Redd actuó junto a grandes figuras del jazz como Count Basie, Max Roach, Earl Hines y Dizzy Gillespie, consolidándose como una solista respetada en una época en la que las instrumentistas seguían siendo poco frecuentes en el jazz profesional. Su forma de tocar solía describirse como un tono suave combinado con un swing brillante y sin esfuerzo, con un fraseo capaz de recorrer progresiones de acordes rápidas sin perder un fuerte sentido rítmico.
A principios de la década de 1960 ya era una presencia habitual en la escena jazzística de Los Ángeles, actuando cada semana en locales como el Red Carpet Jazz Club, donde combinaba su saxofón con interpretaciones vocales de raíz blues. En 1962, cuando Redd se presentó con su propio grupo en el Las Vegas Jazz Festival, el Los Angeles Sentinel señaló el momento como un hito en la historia del jazz, escribiendo: «Otra primicia para el festival de Las Vegas… cuando Vi Redd se convierte en la primera mujer en ser una de las cabezas de cartel instrumentales de un festival de jazz. De hecho, la señorita Redd podría ser la primera instrumentista de viento en la historia del jazz en consolidarse como una gran solista.»
Redd grabó dos álbumes como líder, Bird Call y Lady Soul, que destacan por su expresivo sonido de contralto y su sensibilidad melódica. Aunque su producción discográfica fue relativamente reducida, su influencia como intérprete fue ampliamente reconocida. A partir de la década de 1970 dedicó gran parte de su carrera a la docencia, enseñando en la Universidad del Sur de California y formando parte de comités consultivos del National Endowment for the Arts, ayudando así a apoyar y guiar a la siguiente generación de músicos de jazz.
Roz Cron (1925-2021)Roz Cron fue saxofonista alto y miembro de las International Sweethearts of Rhythm, la innovadora big band totalmente femenina que alcanzó popularidad internacional durante la Segunda Guerra Mundial. En una época en la que las instrumentistas rara vez eran tomadas en serio en el jazz, las Sweethearts demostraron lo contrario. Como señaló más tarde el bajista e historiador Christian McBride: «Probablemente fueron la primera banda totalmente femenina tomada en serio.»
El conjunto fue también una de las primeras bandas de jazz racialmente mixtas de Estados Unidos, y realizó numerosas giras pese a las restricciones de las leyes de segregación en el Sur del país. Viajar juntas suponía a menudo enfrentarse a un peligro real. Cron, que se había criado en el norte de Estados Unidos, recordaba después lo impactantes que le resultaron estas realidades: «Nunca había oído hablar de las leyes de Jim Crow… y estábamos de gira directo hacia el sur profundo.» Las integrantes de la banda incluso tenían que inventarse historias para evitar ser detenidas en virtud de las leyes de segregación. Cron recordaba que le habían indicado que explicara su identidad si la interrogaban: «Me inventé una historia según la cual mi padre era blanco y mi madre negra.»
Cron atribuía a menudo su espíritu independiente a su educación, y en una ocasión comentó: «Mi padre fue el primer feminista que conocí.» En el seno de las Sweethearts, músicas de orígenes muy distintos tocaban codo con codo mucho antes de que esa convivencia fuera ampliamente aceptada en la sociedad estadounidense. La historiadora Sherrie Tucker describió más tarde al grupo como representante de «feministas interseccionales adelantadas a su tiempo… mujeres racializadas y blancas, lesbianas y heterosexuales, todas queriéndose y trabajando juntas sin esfuerzo.»
A pesar de las barreras sociales a las que se enfrentaron, las Sweethearts se ganaron una reputación musical formidable y ayudaron a demostrar que las mujeres podían tocar al más alto nivel del jazz de big band. Cron apareció más tarde en documentales como International Sweethearts of Rhythm: America's Hottest All-Girl Band y The Girls in the Band, que exploran la historia, a menudo olvidada, de las mujeres en el jazz.
Jane Ira Bloom (n. 1955)Jane Ira Bloom es ampliamente reconocida como una de las saxofonistas soprano más singulares del jazz moderno, célebre por su tono lírico, su fraseo muy personal y una voz compositiva audaz que combina improvisación y narrativa conceptual. Desde los primeros años de su carrera, Bloom se forjó una identidad musical propia, centrándose sobre todo en el saxofón soprano en una época en la que pocos músicos de jazz lo habían convertido en su instrumento principal.
Descubre nuestras boquillas para saxofón soprano y encuentra tu propia voz con el instrumento.
Su primera grabación, We Are (1978), un álbum a dúo con el contrabajista Kent McLagan, ya dejaba ver la doble faceta de Bloom como compositora e improvisadora, con varias obras propias junto a interpretaciones de repertorio clásico. Con la publicación de su tercer álbum, Mighty Lights (1982), su voz artística ya se había definido con claridad. Esa grabación, en la que participaron colaboradores como Charlie Haden, Ed Blackwell y Fred Hersch, afianzó aún más su reputación como intérprete capaz de equilibrar sensibilidad lírica e ideas armónicas exploratorias. La versión de Bloom de «Lost in the Stars», de Kurt Weill y Maxwell Anderson, incluida en Mighty Lights, se convertiría después en una de las selecciones destacadas de The Penguin Guide to Jazz.
A lo largo de las décadas, Bloom ha mantenido una carrera marcada tanto por la innovación artística como por el reconocimiento de la crítica. Ha recibido numerosos galardones, entre ellos el Mary Lou Williams Women in Jazz Award a toda una trayectoria, seis premios de la Jazz Journalists Association al saxofón soprano y una victoria en el DownBeat International Critics Poll. Su influencia va más allá de la interpretación: ha dado clases en instituciones como la New School for Jazz and Contemporary Music de Nueva York, ayudando a formar a nuevas generaciones de improvisadores.
Bloom también ha destacado por su disposición a explorar la tecnología y las ideas interdisciplinares dentro del jazz. Ya en la década de 1980 experimentaba con la electrónica junto a su saxofón soprano, incorporando cinta magnética, procesado electrónico, conjuntos de cámara e instrumentación ampliada a sus composiciones. Su curiosidad por el sonido y la tecnología acabó llevándola a una notable colaboración con el NASA Art Program, que le encargó crear música inspirada en la exploración espacial. Las obras resultantes combinan improvisación de jazz con texturas electrónicas e ideas temáticas en torno al vuelo y al cosmos.
A lo largo de su carrera, Bloom también se ha inspirado a menudo en la literatura y las imágenes visuales. Álbumes como Art and Aviation exploraban temas de vuelo y aeronáutica, mientras que otras obras hacían referencia a la poesía, incluidos los escritos de Emily Dickinson. Esta curiosidad transdisciplinar se ha convertido en uno de los rasgos definitorios de su producción artística.
Las contribuciones de Bloom al jazz se han reconocido no solo con premios, sino también con distinciones culturales. Un festival de jazz de Brooklyn dedicado a artistas femeninas de vanguardia recibió el nombre de Bloom Festival en su honor y, en un homenaje poco habitual, la Unión Astronómica Internacional bautizó un asteroide con su nombre: 6083 Janeirabloom, un reconocimiento muy merecido para una música cuyo trabajo ha traspasado a menudo los límites convencionales del jazz.
Rosa King (1939-2000)Nacida en Georgia en 1939, Rosa King desarrolló una carrera internacional como saxofonista tenor, conocida por sus enérgicas actuaciones, su potente sonido y su carismática presencia escénica. Creció en el Sur de Estados Unidos rodeada de música desde muy joven; uno de sus compañeros del instituto era Richard Penniman, que más tarde se haría famoso como el pionero del rock and roll Little Richard. King acabó decantándose por el saxofón y desarrolló un estilo que combinaba un fraseo de raíz blues con la intensidad expresiva de la improvisación de jazz.
Aunque nació en Estados Unidos, gran parte de la carrera de King se desarrolló en Europa, donde se convirtió en una figura muy querida de la escena de jazz y rhythm and blues, especialmente en Ámsterdam, que fue su base durante muchos años. A lo largo de los años actuó y colaboró con artistas como Ben E. King, Cab Calloway, Eric Burdon y Sly Hampton, ganándose una reputación de intérprete versátil, cómoda moviéndose entre las tradiciones del jazz, el soul y el rhythm and blues.
La reputación internacional de King creció notablemente tras una memorable «batalla» de saxofón tenor con Stan Getz en el North Sea Jazz Festival de 1978, un encuentro que puso de relieve su sonido audaz y su presencia escénica llena de confianza. A lo largo de su carrera actuaría en ese festival en numerosas ocasiones más, hasta un total de diez veces. Más allá del circuito de festivales, King también estuvo presente en la cultura popular, apareciendo en programas de televisión como Sesame Street, en distintos programas europeos y en la película Comeback de Eric Burdon.
Además de su trabajo como intérprete, King desempeñó un papel importante como mentora de músicos más jóvenes. Varias carreras destacadas comenzaron en su banda, entre ellas las de la saxofonista Candy Dulfer, la trompetista Saskia Laroo y el guitarrista Alex Britti. Su influencia como directora de banda y mentora ayudó a formar a toda una generación de músicos europeos de jazz y fusión.
Pese a mantener vínculos con Estados Unidos, incluidas temporadas viviendo en Nueva York, King siguió siendo mucho más conocida en Europa que en su propio país. En Ámsterdam y en toda la escena europea del jazz se convirtió en una figura respetada y carismática, recordada tanto por su talento musical como por la vibrante personalidad que llevaba al escenario.
Su carrera continuó hasta los últimos años de su vida. Una de sus últimas grandes actuaciones tuvo lugar en Italia, donde se reencontró con el guitarrista Alex Britti en un concierto televisado a nivel nacional ante casi 100.000 personas. Rosa King falleció en el año 2000, dejando el legado de una de las saxofonistas estadounidenses más dinámicas en construir una carrera internacional fuera de Estados Unidos.
Aunque muchas de las pioneras que ayudaron a moldear la historia del saxofón surgieron en el siglo XX, un notable grupo de músicas ha mantenido vivo ese legado hasta hoy. En las últimas dos décadas, una nueva generación de saxofonistas ha ampliado las posibilidades expresivas del instrumento a la vez que construía carreras influyentes en el jazz, la música popular y las escenas experimentales. Estas artistas no solo se encuentran entre las intérpretes más interesantes de la actualidad, sino que es muy probable que se las recuerde como voces definitorias de su época. De cara al futuro, resulta apasionante imaginar cómo su música, sus colaboraciones y sus innovaciones seguirán dando forma al sonido del saxofón en los años venideros.
Tia FullerTia Fuller es una de las saxofonistas más reconocidas de su generación, conocida por su virtuosismo al saxofón alto, sus composiciones dinámicas y su imponente presencia escénica. Nacida en Aurora, Colorado, en 1976, Fuller comenzó su camino musical desde muy joven, estudiando primero flauta antes de adoptar finalmente el saxofón como instrumento principal. Cursó una formación reglada en el Spelman College, donde obtuvo una licenciatura en Música, antes de completar un máster en Pedagogía del Jazz en la Universidad de Colorado en Boulder. La carrera de Fuller alcanzó visibilidad internacional cuando se unió a la banda de gira íntegramente femenina de Beyoncé, actuando como saxofonista alto principal y directora musical en giras mundiales. Junto a este trabajo, se ha labrado una respetada carrera como directora de banda de jazz, publicando varios álbumes aclamados, entre ellos Angelic Warrior y Diamond Cut, ambos nominados al Grammy. Su forma de tocar combina el lenguaje del jazz tradicional con ideas rítmicas y armónicas contemporáneas, y su arte llegó incluso a reflejarse en la cultura popular cuando sirvió de inspiración musical para el personaje de Dorothea Williams en la película de animación de Pixar Soul.
Melissa AldanaMelissa Aldana, hoy afincada en Nueva York, se ha consolidado como una de las saxofonistas tenor más importantes de la escena del jazz contemporáneo. Nacida en Chile en 1988 en el seno de una familia de músicos, se trasladó a Boston en 2006 para estudiar en el Berklee College of Music antes de establecerse en la comunidad jazzística neoyorquina. Aldana logró reconocimiento internacional en 2013 al convertirse en la primera mujer en ganar el prestigioso Thelonious Monk International Jazz Saxophone Competition. Su forma de tocar destaca a menudo por su tono rico y su enfoque lírico, inspirándose en maestros del post-bop como Wayne Shorter y Joe Henderson, sin dejar de mantener una voz compositiva claramente moderna. Su álbum Visions (2019) obtuvo una nominación al Grammy al Mejor Solo de Jazz Improvisado, y sus trabajos más recientes siguen explorando la narrativa expresiva a través de la composición de jazz, entre ellos su disco de 2026, Filin, inspirado en la tradición cubana del filin, ligada al bolero de mediados del siglo XX.
Lakecia BenjaminLakecia Benjamin representa otra voz potente del jazz contemporáneo. Saxofonista alto afincada en Nueva York, Benjamin desarrolló su sonido bajo la tutela del legendario saxofonista alto Gary Bartz y continúa el linaje de estilistas del alto expresivos y llenos de energía. Su trabajo tiende puentes entre distintos mundos musicales, de la improvisación de jazz a las influencias del funk, el soul y el hip-hop. A lo largo de los años ha colaborado con artistas como Missy Elliott, Alicia Keys y Stevie Wonder, demostrando su versatilidad tanto como solista de jazz como intérprete de crossover. Sus álbumes Phoenix y Phoenix Reimagined recibieron varias nominaciones al Grammy y fueron muy elogiados por la crítica. También ha sido reconocida como «Up and Coming Artist of the Year» por la Jazz Journalists Association y como Rising Star Alto Saxophonist en el DownBeat Critics Poll.
Camille ThurmanCamille Thurman es saxofonista tenor, vocalista, compositora y directora de banda, y su carrera refleja una impresionante variedad de talentos musicales. Nacida en Queens, Nueva York, en 1986, Thurman comenzó a actuar desde muy joven y acabó decantándose por el saxofón tenor como instrumento principal. Su carrera alcanzó un hito histórico en 2018, cuando se convirtió en la primera mujer en más de treinta años en girar y actuar a tiempo completo con la Jazz at Lincoln Center Orchestra, dirigida por Wynton Marsalis. Thurman ha recibido numerosos reconocimientos a lo largo de su carrera, entre ellos nominaciones en el DownBeat Critics Poll como Rising Star Tenor Saxophonist y Vocalist, una nominación al NAACP Image Award al mejor álbum de jazz y el ASCAP Herb Alpert Young Jazz Composer Award. Además de su carrera como intérprete, ha sido activa como educadora y mentora. En 2020 fundó The Haven Hang, una iniciativa de mentoría pensada para apoyar y guiar a jóvenes mujeres que se dedican a la música y las artes escénicas.
